Искусство дирижирования

Теперь, когда у нас есть теоретическая основа, можно самостоятельно посмотреть на Ютубе выступления дирижеров — Карлоса Клайбера, Леонарда Бернстайна или Евгения Светланова — там есть, за чем понаблюдать. Мы же поговорим о том, что создается в процессе дирижирования — об исполненном музыкальном произведении.

🎻 Далее мы послушаем несколько вариаций одного и того же произведения и попробуем понять, в чем же между ними разница — что делает трактовку именно трактовкой, и как вообще менялось восприятие музыки, которую мы можем слышать через дирижеров, на протяжении всего 20 века и до современности.

👇 Nota bene

🎯 Мы не будем говорить о том, каким великим был дирижер. Мы будем говорить о конкретике и фактах — каким становится произведение в интерпретации того или иного дирижера.

🎵 Начнем с 25-й симфонии Моцарта. Она была написана им в 17-летнем возрасте, и это одна из двух его симфоний в тональности соль минор (вторая — 40-я, о которой мы подробно говорим в уроке о Моцарте).

🎵 А теперь послушаем 25-ю симфонию Моцарта в интерпретации разных дирижеров.

→ Дирижирует Отто Клемперер 🇩🇪
Аудиопример на Ютубе
⏱ Время прослушивания: 19 минут

→ Дирижирует Риккардо Мути 🇮🇹
Аудиопример на Ютубе
⏱ Время прослушивания: 27 минут

→ Дирижирует Карл Бём 🇦🇹
Видеопример на Ютубе
⏱ Время прослушивания: 22 минуты

→ Дирижирует Николаус Арнонкур 🇦🇹
Аудиопример на Ютубе
⏱ Время прослушивания: 27 минут

→ Дирижирует Максимилиано Кобра 🇧🇷
Аудиопример на Ютубе
⏱ Время прослушивания: 50 минут

👇 Сравните эти 5 интерпретаций, попробуйте описать каждую из них — какие были ваши эмоции при прослушивании?

Давайте обсудим несколько интерпретаций.

🎵 Хотя начало первой части очень выразительно, это именно часть, а не контрастный эпизод. Давайте посмотрим что с этим целым делают разные дирижеры, ведь есть множество элементов, которые можно выделить, например, затереть некоторые элементы или сделать их незаметными.

1️⃣🎶 Итак, первая запись — Отто Клемперер, представитель старого поколения дирижеров. Он родился в 1885 году на территории современной Польши, но образование получил в Германии. Клемперер был знаком с Малером, даже приятельствовал с ним. И хотя он был значительно моложе Малера, отношения у них были очень добрые.

❓ Что сразу обращает на себя внимание в этой записи 👇

📍 Это как раз то самое чувство формы. Клемперер не уходит в подробности, не акцентирует чрезмерно яркие детали. Он видит каждый такт, каждую фразу, каждую мелодическую фигуру как часть целого. И понимает, как и все хорошие дирижеры, что главное, чтобы сложилась большая картина и чтобы слушатель не заскучал.

〰️ В эмоциональном отношении это исполнение довольно умеренное — в нем нет сильных эффектов. Это действительно единый поток, который существует по своим внутренним законам. Не то чтобы здесь нет дела до слушателя, но у дирижера есть осознание своей миссии как проводника намерений композитора.

Теперь познакомимся с трактовкой исполнения Риккардо Мути — конечно, она более темпераментна.

🇮🇹 Мути — итальянец. Сам язык, сама культура, сама атмосфера тех мест благоприятствует бурным проявлениям эмоций. Это, конечно, южный темперамент, который Моцарту, возможно, даже не вполне подходит — то есть Моцарт здесь становится близок к Россини или Беллини.

🔉 Если говорить о фразировке, то Мути каждую фразу, которая есть в тексте, делает выразительной. Музыка — искусство контрастов. И именно эти контрасты выходят на первый план — то есть у Мути совершенно нет никакого желания подчеркивать форму. Почему? Потому что это не увлекательно, это исполнение в расчете на совершенно другой тип восприятия.

🔥 Мы слышим постоянное подогревание направленного на музыку внимания — и, наверное, это здесь основной момент. Конечно, Мути соблюдает форму, он хорошо связывает между собой темпы разных частей и вообще добивается от оркестра очень сочного, насыщенного звучания. Но все равно — такого благородного внимания к симфонической форме, как мы слышали у Отто Клемперера, в этом исполнении нет.

Разберем интерпретацию австрийского дирижера Карла Бёма и сравним ее с версией Клемперера.

👤 Карл Бём — австриец, и в этой записи проявляется большая германская традиция, правда, уже имеющая некоторые признаки законсервированности. Если бы мы слушали, допустим, 5-ю симфонию Бетховена, то у немецко-австрийских дирижеров его поколения она очень часто звучит несколько медленнее, чем должно быть. Почему?

❤️ Потому что это любимая музыка — великая любимая музыка, которую хочется расслушать, которую хочется посмаковать, которой хочется насладиться. Здесь мы слышим строгое следование формальным правилам исполнения, которое отчасти заменяет то чувство формы, которое было у Клемперера.

🎵 И разница здесь не столько музыкальная, сколько мировоззренческая. Здесь чувствуется разница поколений и отношений к культуре: Отто Клемперер был свидетелем и участником тех событий и процессов, которые завершили создание золотого фонда симфонического репертуара 20 века. Он был знаком с Малером, одним из последних значительных композиторов, которые замыкали одну эпоху в музыке, и на смену которым пришли совершенно другие.

➡️ Для Клемперера написание музыки было живым процессом, которому он был свидетелем. Нам сейчас трудно представить, что кто-то возьмет и напишет что-то подобное 5-й симфонии Малера, и не по масштабу, что, конечно же, возможно, а по эстетике звучания. У Клемперера было чувство живой формы как процесса.

🎶 А в интерпретации Карла Бёма это великая немецкая культура, которую мы бережно храним и так же бережно, ориентируясь на опыт великих предшественников, доносим. То есть у Клемперера Моцарт достаточно живой, у Бёма как бы возведен на пьедестал. То есть четыре части симфонии — это как бы взгляд на этот бюст Моцарта с четырех сторон.

👁 Мы, вместо того, чтобы погрузиться с ним в этот неостановимый поток музыки, обходим его со всех сторон, как статую в музее. Карл Бём — это представитель кризисного поколения: когда ему было 20 лет, началась Первая мировая, и это, конечно, был большой перелом для всей европейской и русской (которая часть европейской) культуры.

Николаус Арнонкур принадлежал к еще более молодому поколению — это поколение, которое родилось уже в 20-е годы, и Арнонкур стал одним из таких столпов движения исторически информированного исполнения.

🎶 Это совершенно другая ментальность. Как раз исторически-информированное исполнительство ставило задачу очистить музыку от наслоения позднейших трактовок, которые не то что закрепились совсем случайным образом, но стали приняты в результате совпадения событий.

➡️ То есть мы трактуем это произведение так, потому что великий некто трактовал это произведение точно так же. И аутентисты прокламировали и осуществляли возвращение к авторским намерениям, использовали авторский инструмент.

🎻 Но, конечно, возвращение к авторским намерениям не могло быть совершенно полным, потому что никто из аутентистов Моцарта лично не знал и музыки его времени не слышал. Это все гипотезы, умопостроения, но в целом сам звук исторических инструментов, который был мягче, тише дает уже очень много. Как бы парадоксально это ни было, но этот звук вызывает больше эмоций.

Почему вообще звук изменился❓

🎹 Изменилась технология изготовления инструментов, появился конвейер (и в прямом, и в переносном смысле). И чтобы ярко показать эту разницу, вспомним концерт Юлии Лежневой, который состоялся год назад — там был ансамбль «Кончерто Кельн», который использовал старинные инструменты. Был заявлен концерт для флейты, и Кордула Бройер играла на флейте 18 века или на современной реплике флейты 18 века. Ее звук — очень мягкий, нежный, совершенно терялся в пространстве большого зала Филармонии им. Шостаковича, потому что был рассчитан на другую акустику.

🎼 Отчасти трактовка идет из самих возможностей инструментов и от того, как на них удобно играть. Есть такое предположение, что те, кто исполняли музыку, скорее всего, шли наиболее легким и удобным путем — так же и появилась аппликатура — сыграть, например, гамму можно как угодно, но легче играть ее правой рукой. И, конечно, Арнонкур, да и все аутентисты, опираются на музыковедческие тексты, изучают биографии.

🍴 Иногда доходит до того, что имеет значение даже то, что композитор ел в день, когда он писал такты вот этого произведения, если, конечно, такая информация осталась.

❓ Что из этого получается в итоге? Во-первых, сразу слышна разница строя оркестра — он чуть-чуть пониже. Так сложилось, что с годами высота камертона увеличивалась. Если послушать, допустим, барочные концерты, которые играют на барочных инструментах, например, Концерт фа минор Баха для клавесина с оркестром, исполненный на фортепиано, то он звучит в фа миноре, как и написано. А если его играть на клавесине, который сделан по образцу инструментов той эпохи, он будет звучать в ми миноре. Исходя из конструкции, разница за все эти века получилась примерно в пол-тона.

🎶 Второе, на что мы обращаем внимание, это некоторая шероховатость звучания. Оркестр звучит как единый организм, в отношении звучания здесь все просто идеально: намеренно сохранены даже слегка диссонирующие, не очень приятные вместе звуки. А кто сказал, что музыка должна быть приятной?

📚 Важным источником знаний являются труды по теории истории искусства времени. И для музыки эпохи классицизма характерна одна очень интересная вещь — там всегда есть иерархия. Она достаточно строгая, четко выверенная — есть то, что внизу, есть то, что наверху. Именно эту иерархию Арнонкур в музыке и отражает. Он делает хорошо слышными разные ее планы в каждый момент времени.

Узнаем, чем интересно исполнение Максимилиано Кобры.

🎵 Самое интересное здесь — темп замедлен почти в два раза. Оценивать это исполнение трудно, Кобра далеко не самый выдающийся дирижер. Он и кино снимает, и музыку пишет, он — мыслитель и экспериментатор.

⌛️ Кобра исследует связь времени с восприятием. И то, что мы у него слышим, имеет мало отношения к Моцарту, мало отношения к тому, что подразумевал композитор — как эта музыка будет звучать. И художественные достоинства этой записи весьма и весьма сомнительны.

🔉 Однако эта запись позволяет очень контрастно увидеть, насколько сильно темп, в котором звучит музыка, влияет на наше восприятие. Во-первых, кажется, что это произведение более позднее. Во-вторых, в этой трактовке нет никакого изящества — то есть моцартовское изящество здесь огрубляется, становится более подробным, но вместе с тем утрачивает живость — не в смысле скорость, это очевидно, а в смысле какую-то внутреннюю моторную энергию. И в конце концов получается практически совсем другое произведение.