Экспертиза и реставрация картин

Давайте разберемся, почему экспертиза и реставрация картин — важная тема, и как она поможет лучше понять искусство.

👨‍🎨 Произведение живописи — это не только идея, но и ее воплощение. Художник, конечно, одухотворенный творец, но он также находится в постоянном поиске технических решений, позволяющих воплотить его идею в материале. Если художник нарушает отработанную годами технологию живописи, со временем зачастую возникают проблемы, у картин появляются «болезни», затормозить течение которых может лишь правильное хранение и своевременная реставрация. Понимание основных технологических моментов откроет внимательному зрителю новые грани авторского замысла.

🧩 Реставрация долго оставалась тайным, почти мистическим процессом. Сегодня все чаще его выносят на всеобщее обозрение, результаты реставрационных работ показывают на выставках. Написание картины — лишь первый этап ее жизни, самые интересные и порой опасные приключения начинаются позже. И реставрация помогает сохранить картину, а иногда даже воссоздать.

🔎 В искусстве постоянно происходят открытия, находят новые полотна старых мастеров. Вокруг этого часто появляются спекуляции: «Картину признали, потому что кто-то проплатил», и так далее. Но процесс экспертизы намного сложнее и интереснее — и мы его обсудим.

Поговорим об основах, на которых пишут картины. Они могут быть различными, но мы рассмотрим два самых распространенных варианта — дерево и холст.

🟫 Дерево. Известно со времен античности, на нем выполнены самые древние из дошедших до нас произведения искусства — например, Фаюмские портреты.

➕ Плюсы

▪️ Очень долговечный и прочный материал. Легко может пережить тысячелетия.

➖ Минусы

▪️У дерева есть свои угрозы — это жучки-короеды и перепады влажности. Когда Екатерина начала собирать эрмитажную коллекцию, картины на дереве разрушались из-за петербургской влаги.

▪️ Подходит не любой сорт дерева — в средней полосе это в основном береза, липа, ольха, клен, дуб.

▪️ Долгая и дорогая подготовка: вымачивание, сушка, шлифовка.

▪️ Доска ограничена в размерах. Можно соединить несколько досок, но это скажется на качестве основы.

▪️ Тяжело перевозить: доски много весят.

▪️ Работать на доске позволяли не всем, а только опытным мастерам.

⛪️ Чтобы добиться от дерева большего масштаба, в России придумали высокие алтари, а в Европе делали полиптихи и складные алтари — часть росписей открывали только по праздникам. Например, у Изенгеймского алтаря было целых три развертки: будничная, праздничная и та, которую раскрывали только раз в год — она сочетала живописные и резные части со сценами из жития Св. Антония.

⬜️ Холст. К середине 16 века в Европе наладили производство ткани и стали выпускать простую крепкую мешковину. Художники быстро приспособили ее для рисования.

➕ Плюсы.

▪️ Дешевый. С появление холста резко выросло количество художников.

▪️ Любых размеров. Холсты позволили создавать грандиозные полотна по 5–7 метров.

▪️ Легкий. Картины начинают «путешествовать» по Европе.

▪️ Фактурный. Художник может полностью загрунтовать зернистость ткани, либо специально подчеркнуть ее.

➖ Минусы.

▪️ Хрупкий и недолговечный. Картина на холсте не может выдержать несколько веков, ткань начинает разрушаться.

Теперь рассмотрим, каким бывает грунт и зачем он нужен.

〰️ Грунт позволяет добиться однородной поверхности: и дерево, и холст имеют свою фактуру с перепадами высот. Без подготовки писать по ним было бы невозможно.

▪️ Также грунт изолирует краску от основы. Иначе основа может впитать связующую часть краски — масло или яичную эмульсию, и сам слой краски начнет разрушаться.

🖼 В классической живописи грунт всегда скрыт. Если мы его видим, значит, произведение не окончено.

💡 Позже начались эксперименты. Например, Сезанн любил оставлять участки грунта незакрытыми. Это создает легкость, ощущение внутреннего света, грунт в его работах задает камертон общего колорита.

▪️ Врубель на портрете Мамонтова оставляет незакрашенной манишку— получается плоский участок посреди сложных объемных форм. Мамонтов будто хочет вскочить, но манишка не дает этого сделать — возникает ощущение сдержанного порыва.

🎨 Грунт бывает разных цветов. Классический грунт серый, нейтральный — он подходит для всех. Но художник может добавить краситель.

⬜️ Белый — гипс, белила, белая глина. Картины с таким грунтом светоносные. Мы его не видим, но лучи света преломляются о разные слои, в том числе доходят до грунта. Краски приобретают большую яркость. Но также белый слой уплощает формы.

🟨 Желтый — часто используется в академической живописи. Благодаря нему она вся немного коричневатая.

🟦 Голубой — если нужно написать море или небо.

⬛️ Темный, доходящий до черного — его любили Караваджо и караваджисты, добиваясь глубоких теней, обволакивающей тьмы.

▪️ Со временем темные грунты проступают сквозь краску, меняя впечатление от полотна. Поэтому сегодня караваджисты кажутся очень темными, хотя изначально они были светлее.

В завершение части поговорим о красках.

💎 Основа краски — сухой пигмент. В прошлом, как правило, они были натуральными — измельченные камни, минералы, жучки. Сегодня много синтезированных. Но тип краски определяют не пигменты, а то, на чем их замешивают.

Тут есть три основных варианта 👇

🥚 Темпера. Пигмент замешивают на яичной основе. Краска очень качественная, веками сохраняет яркость и чистоту. Это видно по фаюмским портретам (часть из которых написана темперой) или старинным иконам.

▪️ Темпера быстро сохнет, поэтому скорректировать мазок не получится. К тому же краска плохо смешивается, с ней не получится сделать плавные переходы или полутона.

▪️ До конца 15 века все писали темперой, да еще и на дереве — поэтому мастеров было немного. Учиться было долго и дорого, а работать сложно.

▪️ Была версия, что первым от темперы отказался Ван Эйк — и придумал масляную краску. Но теперь считается, что он просто усовершенствовал технику масляной живописи. В Италию масло пришло чуть позже. Художники Высокого Возрождения писали в переходной технике — уже маслом, но еще на дереве.

▪️ Появление холстов и распространение масляной краски стали одной из причин, почему с 16 века художников стало намного больше. К темпере вернулись символисты в конце 19 века уже в качестве эксперимента.

🍯 Масло. Прекрасный материал: удобно работать, легко корректировать. Можно создавать самые разные оттенки и сложные переходы. Еще у Леонардо эффект сфумато появился благодаря работе с маслом.

▪️ Масло можно накладывать пастозно, корпусными мазками, как Ван Гог — или сильно разбавлять и добиваться эффекта полупрозрачности и легкости, сходства с фреской, как Пикассо в «Девочке на шаре».

▪️ У масла есть минусы. Оно не такое долговечное и устойчивое, со временем цвета меняются. Очень долго сохнет.

▪️ Старые мастера сами натягивали холсты, грунтовали основу, использовали правильно замешанную краску по секретным рецептам. Художник работал тоненькими прозрачными мазками — лессировками. Получалось много слоев, в которых отражается свет, создавая удивительное впечатление. Конечно, это был очень долгий процесс.

▪️ Такая техника называется фламандской, в ней работали мастера 15 и первой половины 16 века — Леонардо, Ван Эйк, Брейгель. На смену ей пришла упрощенная итальянская техника — это Тициан, Рубенс, Тинторетто и все мастера, работавшие в академической манере — в ней уже не так много лессировочных слоев.

▪️ Художники второй половины 19 века были нетерпеливыми. Они сознательно нарушали технологию, чтобы краска сохла быстрее, добавляли в нее сиккативы и другие вещества. Поэтому работы старых мастеров зачастую имеют лучшую сохранность. Импрессионисты работали «a-la prima» — в один присест, наносили один-два слоя, а всю работу заканчивали за несколько часов.

▪️ При высыхании масло часто дает кракелюры — трещинки, которыми покрыты многие картины. Они могут появиться и у совсем свежих работ. Обычно «хорошие» кракелюры не опасны, но реставраторы отслеживают, когда появляются «плохие», и принимают меры.

⚗️ Акрил. О нем подробнее расскажем в видео.

Акриловые краски — изобретение 20 века