angle-down facebook instagram vkontakte warning

Йозеф Гайдн

Цикл «Лондонские симфонии» и инструментальные концерты

Цикл лондонских симфоний считают вершиной классической симфонической музыки. Узнаем, как они появились, и послушаем инструментальные концерты Гайдна.

Это часть интерактивных уроков, подготовленных образовательной платформой Level One в сотрудничестве с крупнейшими российскими экспертами.
Еще 500 уроков по 15 направлениям, от истории и архитектуры до здоровья и кулинарии на levelvan.ru/plus
посмотреть все уроки
Автор урока
Денис Великжанин
Музыкальный критик, искусствовед, член союза композиторов России

Завершая свою композиторскую деятельность, Гайдн написал цикл симфоний, который назван «Лондонскими симфониями», потому что они были записаны для исполнения в Лондоне. Давайте послушаем 103-ю (11-ю в цикле).

🇬🇧 Гайдн ездил в Лондон дважды: в 1791–1792 и в 1794–1795 годах. Там его встречали очень хорошо, большой любовью пользовались его оратории — это были первые оратории со времен Генделя, которые стояли с ним на одном уровне. Симфонии имели огромный успех. Почему Гайдн не путешествовал в Лондон чаще? Потому что Гайдну уже было чуть за 60, а дороги тогда были очень плохими, и путешествия были мукой. Без лишней необходимости далеко старались не ездить. И несмотря на такой колоссальный успех и явную любовь лондонцев, Гайдн не остался там — сыграла и привязанность к родной культуре, и привязанность к службе в оркестре.

🎶 Шесть последних симфоний похожи на 50-ю и на 60-ю — у них у всех медленное начало. Давайте послушаем начало 103-й симфонии.

Йозеф Гайдн. 103-я симфония («С тремоло литавр»)
Аудиопример на Ютубе
Время прослушивания: 30 минут

00:00 — начало
00:44 — лиричная тема
1:38 — «кода»
1:46 — аллегро

🎵 Вступление — адажио — здесь предваряет аллегро. Если в 1750–1760-е это была необходимость, которая исходила из задачи театральной или оперной музыки, то здесь это продуманный художественный эффект. Мы не начинаем с движения, с мелодии, мы начинаем с остановки, с погружения в определенное состояние.

💥 И вдруг начинается аллегро, которое производит гораздо большее впечатление, поскольку мы введены в пространство музыки. Такое же медленное начало у 8-й сонаты Бетховена — до-минорного аккорда в малой и большой октаве — музыка медленно растет, развивается, появляется лирическая тема. Естественно, все заканчивается кодой, и начинается то аллегро, по которому большинство 8-ю сонату Бетховена и опознает.

Людвиг ван Бетховен. 8-я соната («Патетическая»)
Аудиопример на Ютубе
Время прослушивания: 56 минут

Таким образом Гайдном были предугаданы (или созданы?) в 50 и 60 симфониях некоторые пути классицизма.

🥁 Эта симфония открывается барабанной дробью. Какой в этом символизм? Барабанная дробь извещает о том, что произойдет что-то важное. Момент тревожного ожидания. Потом медленная тема начинается с мелодии, которая очень похожа на Dies Irae

Средневековое католическое песнопение (секвенция)«Dies Irae»
Аудиопример на Ютубе
Время прослушивания: 7 минут

Как случилось что этот григорианский хорал стал такой вещью, которая проросла через всю европейскую музыку? Ее находят в 17, 18, 19 и даже 20 веке, это музыкальный троп, и о чем он?

📖 Софония, 1 глава:

15
Тот день будет днем гнева,
днем скорби и муки,
днем гибели и разрушения,
днем мглы и мрака,
днем туч и тьмы,
16
днем звука рога и клича к битве
против укрепленных городов
и высоких башен.

17
— Я пошлю на людей такую беду,
что они станут бродить, как слепые,
за то, что согрешили перед Господом.
Их кровь прольется, как вода,
и плоть их будет выброшена, как навоз.

18
Ни серебро, ни золото
не смогут спасти их в день гнева Господа.
В пламени Его ревности
сгорит вся земля;
внезапный конец положит Он всем,
кто живет на земле.

Глядя на этот текст, мы понимаем, что григорианские монахи обладали довольно сильной выдержкой. Чтобы так спокойно петь о гибели и разрушении мира, надо быть храбрым человеком.

Для Гайдна, пламенно верующего католика, это все было, конечно, серьезно. Но он был частью светского, а не религиозного общества.

🎹 Мы слушаем этот хорал, чтобы понимать, чем было это явление и во что оно превратилось как троп. Допустим, в фортепианном концерте Равеля по версии пианиста Андрея Гаврилова (хотя, скорее, это была версия его учителя Льва Наумкина, который был склонен к такого рода исследованиям музыкальных текстов), посвященном ужасам Первой мировой войны, тоже есть эта тема. И написан он был для Пауля Витгенштейна, однорукого пианиста, который и потерял руку в Первой мировой. Это открывает новый смысл равелевской музыки.

🙏 Но у Гайдна здесь не такого трагизма, это можно сравнить с утренним молитвенным правилом верующего человека. Допустим, у христиан в молитве «Отче наш» есть слова «и не введи нас во искушение, но избави нас от лукавого» — произнося эти слова, верующий вспоминает, что есть искушение, что есть лукавый, от которого хорошо было бы увернуться, а потом идет спокойно заниматься своими делами и радоваться новому дню. Похожий эффект получается в этой симфонии. Мы как бы сначала задумываемся о пути, о Боге, о конце света.

▪️ Когда начинается аллегро (аллегро в 1 ч симфонии — 2.50) — сразу появляется радостное возвышенное настроение, которое не отпускает нас всю симфонию.

▪️ Вторая часть — адажио — представляет собой двойную вариацию. Двойная вариация — это когда у нас есть две, как правило, контрастные темы, но вместо разработки конфликта, не нужной в адажио, тема в до мажоре и до миноре, в финале — кода. Две темы проводятся, потом начинаются вариации, они могут быть как в прямом порядке, так и в обратном — это не принципиально, они заканчиваются кодой.

▪️ Третья часть симфонии — это менуэт. Здесь он абсолютно не танцевальный, на балу его не сыграешь (хотя можно использовать для большого балета).

▪️ Четвертая часть — аллегро — начинается с рожков. Они трубят несколько тактов, и потом начинается музыка этого аллегро. Чем оно интересно? Оно монотематично, то есть там одна тема, и очень длинно. Это своеобразная бравада, демонстрация композиторских способностей — этот финал довольно велик по сравнению с четвертыми частями других гайдновских симфоний. Звучит одна и та же тема, несколько видомзеняясь, на протяжении долгого времени, но звучит так, что слушатели не утомлены ею.

Телеграм-канал
Level One

Вдохновляющие посты, новые запуски и подарки только для подписчиков

подписаться

Премьера лондонских симфоний была встречена с успехом, вторую часть — двойную вариацию — исполняли на бис. Давайте послушаем и обсудим последнюю, 104-ю, симфонию цикла, но прежде немного поговорим о том, как проходили концерты во времена Гайдна.

👂 Сейчас у нас есть культура слушания симфонии: мы не хлопаем между частями, сидим в зале смирно, внимаем и повторение каких-то частей симфонии посчитали бы страшным дурновкусием. А в момент их создания считали иначе: не было ничего зазорного, чтобы сыграть красивую музыку еще раз, когда она всем понравилась. Примерно так искусство ороговевает, становится ригидным. Допустим, у Бетховена, позднего Брамса или Сибелиуса нет смысла повторять какую-то часть симфонии, потому что одна без другой не существует. А с музыкой классицизма это совершенно спокойно можно сделать.

🎵 104-я симфония — последняя симфония Гайдна. В ней опять интересно медленное начало. С чего она начинается? У первых скрипок тема: ми-ля-ля-ми. Тональности пока нет, мы не можем ее определить. Есть квинта и кварта — два древнейших известных человечеству интервала — это то, из чего появилась вся гармония. Это вступление напоминает историю творения мира, которая изложена здесь более сжато, чем в его оратории «Сотворение мира».

🎼 Аллегро, которое начинается после вступления, монотематично — играется одна и та же тема, которая транспонируется. Эту тему можно представить как творящую руку, творящий логос создателя. В 1794–95-х годах Гайдн был вполне в силах, тогда он не знал, что через восемь лет потеряет способность сочинять. Сейчас мы имеем дело не с тем, что хотел сказать художник, а с тем, что он в итоге сказал. Наблюдая за тем, как из ничего — из квинты и кварты — появляется целое величественное здание симфонии, мы можем сказать, что это — хороший, счастливый итог композиторской жизни Гайдна. Стоило написать 100 с лишним симфоний, чтобы последняя получилась такой.

Йозеф Гайдн. 104-я симфония («Лондон»)
Аудиопример на Ютубе
Время прослушивания: 29 минут

Всего Гайдн написал два концерта для виолончели: в до мажоре и ре мажоре. Между ними прошло 20 лет. Первый концерт долгое время считался утерянным, пока его партитура не была обнаружена в 1961 году. Давайте обсудим его.

🎵 Первый концерт был записан в 1765 году для главного виолончелиста оркестра Эстерхази — Йозефа Франца Вайгля. Гайдну на тот момент было 33 года, и его мастерство несравненно. Почему он написал так мало концертов для виолончели? Виолончель не была самым любимым его инструментом, а также самым интересным и популярным для сольного музицирования.

🎻 Перед нами музыка, которую написал молодой и талантливый композитор для молодого и талантливого виртуоза. Здесь есть все принятые элементы виртуозности того времени: скачки из нижнего в верхний регистр, быстрые пассажи, которые требуют совершенной координации и большого умения.

🎼 В отношении музыки это довольно причудливая смесь барочного ритурнеля и классической сонатной формы. Ритурнель — это старинный способ создавать единство. В симфониях 19 века было многообразие на основе единства — симфонии органически рождались часто из довольно небольшого материала. А в эпоху барокко о форме дискуссии не велись.

📌 Но ритурнель — это один и тот же мотив, которые перемежался контрастными частями: то есть оркестр играет какую-то мелодию, потом настроение меняется, мы погружаемся в другой мир звуков и, как только он доходит до своего логического завершения, мы слышим ту же самую мелодию. Идет третья, четвертая и пятая части, а между ними ритурнель (от итальянского ritorno — «возвращение»). Таким образом у нас создается некое впечатление цельности.

➡️ Но здесь Гайдн от этого отходит: каждая из трех частей инструментального концерта написана в сонатной форме. И та тема, с которой начинается партия виолончели, и есть главная тема первой части, которая дальше развивается. Оркестр, который играет до вступления виолончели, подготавливает нас к теме — это большая интродукция, свойственная классическим и некоторым романтическим инструментальным концертам. Здесь инструмент в большей степени часть оркестра, нежели его соперник. И тема, которую начинает виолончель, очень интересно развивается — не полностью, а как бы раскладываясь на части, из которых она составлена — небольшие мотивы. Гайдн дальше развивает их по отдельности, и все это заканчивается каденцией, и начинается медленная и полная лиричного покоя вторая часть.

🎶 Вторая часть начинается с одной ноты под аккомпанемент оркестра, который играет тему вступления. Скоро эту тему подхватывает и виолончель, но начало во всех классических произведения чрезвычайно важно.

📍 Классицизм — это ясность, стройность и иерархия.

🎼 Вводятся какие-то музыкальные тропы, которые потом будут использоваться и к которым потом будет произведена отсылка. Можно сравнить это с любой научной диссертацией: она начинается с постановки проблемы, и дальше вся мысль развивается вокруг нее. Было бы странно в диссертации по истории музыке 16 века читать про какой-нибудь современный балет. Обычно мы ввели какую-то тему и говорим об этом. Точно так же устроена музыка классицизма: эта нота, с которой начинается партия виолончели, отсылает нас к основам этой части. А в третьей части в финале мы слышим довольно большое оркестровое вступление, и виолончель вступает на длинной ноте.

Йозеф Гайдн. Концерт для виолончели с оркестром в до мажоре
Видеопример на Ютубе
Время прослушивания: 28 минут

Финал также написан в форме сонатного аллегро, которая тогда только начинала выкристаллизовываться и была вполне подвижной. Давайте обсудим, что мы там слышим.

🎶 Здесь тоже можно насладиться тем, как Гайдн берет одну тему — развинчивает ее на мотивы и разрабатывает эти мотивы дальше таким образом, что они, оставаясь по своему происхождению частями главной темы, производят совершенно иное, чем главная тема, впечатление. Длинноты появляются и здесь — их сыграть очень нелегко. И наиболее виртуозна последняя часть концерта — там как раз есть скачки, о которых мы говорили ранее.

💫 Виртуозность этой музыки такова, что от виолончелиста в определенный момент требуется имитировать два инструмента, играющих контрапункт. Есть много разных исполнений, но мы послушаем виолончелиста Бруно Филиппа, потому что по возрасту он близок к Вайглю (на момент исполнению тому было 25 лет, а Филиппу 24 года) — это концерт, который дышит юностью.

🧐 Но заметим, что в этом концерте есть то, что несколько не соответствует гайдновской эстетике — это современная мода поведения за инструментом. Если сравнить артистов 50–60 лет назад и артистов сейчас, то мы увидим, что сегодня принято играть гораздо более эмоционально: делать движения головой, делать одухотворенное выражение лица и показывать, что проживаешь музыку всем нутром. Но здесь такое стремление к изобразительной эмоциональности, к счастью, не сказалось на музыке.

Йозеф Гайдн. Концерт для виолончели с оркестром в до мажоре (финал с 20-й минуты)
Видеопример на Ютубе
Время прослушивания: 28 минут

Теперь перейдем к ре-мажорному концерту Гайдна для виолончели с оркестром — второму и до настоящего времени последнему. Почему мы так говорим?

🎵 Дело в том, что если мы заглянем в каталог Хобокена, то увидим, что концертов для виолончели всего пять. Куда же делись остальные три? Третий концерт, тоже написанный в до мажоре, был утрачен и, как и первый, относится к раннему периоду творчества Гайдна. А четвертый и пятый концерты — в ре и до мажоре — позднейшие исследователи признали неверно атрибутированными. Один из исследователей, современник Гайдна — Джованни Констанци, а другой — чешский виолончелист Давид Поппер, который сознательно создал из этого мистификацию.

🎶 Ноты второго фортепианного концерта для виолончели нашли за 10 лет до того, как нашли ноты первого — тоже в Праге. Он был известен и ранее, но подлинность было невозможно проверить — не было автографа. Его нашли в 1951 году, и подчерковедческая экспертиза утвердила, что это рука Гайдна.

🎹 Итак, 1783 год — Гайдну 50, и он пишет этот концерт, который довольно сильно отличается от первого. Он наполнен ощущением блаженного покоя. Первое аллегро написано в сонатной форме, а вторая и третья части — это адажио и рондо. Рондо — это круг, то есть форма, которая подразумевает повторение. Обычно оно устроено так: главная тема перемежается разными контрастными эпизодами. Например, если взять какую-нибудь современную поп-песню, то у нас будет куплет — припев — куплет — припев, и это тоже можно причислить к форме рондо, где припев является главной темой, а куплет — контрастным эпизодом.

🗣 Основное развитие происходит не в припеве, а в куплете, так как припев, как правило, остается тем же, а куплет изменяется. Если обратить внимание на популярную классику, то рондо можно назвать «К Элизе» Бетховена: там есть главная тема, которая звучит три раза и перемежается контрастными эпизодами — одним в мажоре, одним — в миноре.

1️⃣🎵 Здесь в первой части у нас совершенно точно сонатная форма — есть главная тема, оркестр играет, виолончель вступает и как бы подхватывает оркестр. Во время разработки появляется вторая тема, и потом они взаимодействуют между собой, есть переход в минор и снова в мажор, затем все возвращается к главной теме.

📍 Очень интересна пропорция самих частей: первое аллегро занимает приблизительно половину всего произведения. Адажио и рондо делят оставшуюся половину: на 2/3 — адажио и на 1/3 — рондо. Рондо очень живое, и после медленного тягучего адажио оно слышится как струя живой воды.

🔉 Адажио значительно медленнее, чем многие другие медленные части произведений Гайдна, которые обычно обозначались как анданте. Начинается оно в ля мажоре и вдруг в середине переходит в до мажор. У нас есть ре мажор, а ля — это пятая ступень, то есть доминанта, а до — это седьмая пониженная ступень — весьма необычный выбор, который дает эффект перехода в другое пространства.

➡️ Таким образом основой по смыслу становится не ре мажор, который задает тональный план, а ля мажор. До — это третья пониженная ступень ля мажора — мы помним, как серьезно относились к интервалам в эпоху барокко. Столь же серьезно относились и к тональностям. Гайдн как раз дал эффект мира в мире.

🕊 В этом адажио происходит полет фантазии, полет в высшие сферы, а рондо мягко возвращает нас к жизни. Нельзя сказать, что оно выдержано в форме рондо, но есть некоторые его черты. Наверное, это один из самых светлых и радостных концертов Гайдна. Они все немрачные, но этот чистотой того света, который есть в музыке, выделяется на фоне остальных.

Йозеф Гайдн. Концерт для виолончели с оркестром в ре мажоре
Видеопример на Ютубе
Время прослушивания: 21 минута

Теперь давайте послушаем 11 концерт для фортепиано, который тоже написан в ре мажоре.

🎵 Это последний среди всех концертов Гайдна, он писал его то ли для клавесина, то ли для фортепиано, а вполне возможно, что концерт исполнялся и на том, и на другом. Обратим внимание, что в концертах классицизма или барокко, особенно в английском языке концерты Баха и Гайдна называются «Keyboard concerts», то есть концерты для клавиатуры. А моцартовские уже называются концертами для фортепиано, хотя Моцарт в 1780-х годах, когда был написан это концерт Гайдна, уже вовсю творил. Это такая терминологическая традиция. Теперь перенесемся в 20 век, где де Фалья написал концерт, специально указав, что это концерт для клавесина. Между Фальей и гайдновским концертом прошло 140 лет, и какая появилась чуткость к тембрам! Эта чуткость даст потом целое направление в академической музыке во второй половине 20 века, который вполне можно назвать веком тембров.

3️⃣ Как и все инструментальные концерты той эпохи, этот концерт состоит из трех частей. Если говорить о терминологии, то часть по-английски называется «movement» — то есть концерт состоит из трех движений. Это очень интересно, потому что насколько термин, слово влияет на наше восприятие. Музыка — это вещь, которая развивается во времени, она не может стоять, ей нужно находиться во времени. Но когда мы говорим «часть», через язык возникает образ чего-то статичного, ограниченного с двух сторон, а у носителей английского языка другое восприятие.

➡️ Интересно, как язык, которым мы говорим о музыке, влияет на ее восприятие. Помните, мы искали образы к фортепианным сонатам или к симфониям Гайдна? Через это было легче их понимать, и восприятие музыки было богаче. Словами мы или дополняли музыкальную реальность, или создавали ее второй слой, но его содержание зависело от тех слов, что мы использовали. Мы читаем текст, пост, у нас рождаются ассоциации, и все это связано с какими-то метаструктурами, описаниями. Как мы уже говорили, множество метафор пришло в музыку из визуальных искусств, из живописи, из архитектуры.

☺️ Даже есть шутка «Если архитектура — это застывшая музыка, то получается, музыка — жидкая архитектура?»

Так или иначе, задумавшись над отдельными моментами музыкального произведения, можно расширить свое восприятие.

🎶 Этот концерт, написанный в начале 1780-х годов, — последний концерт Гайдна (больше он не писал концертов, хотя часто исполнял из них партии на фортепиано или на клавесине в своих симфониях). И он стоит на пересечении двух путей: первый — это то, что мы слышим в моцартовских концертах для фортепиано, а другой — это та старая линия, которую мы слышим у Баха, когда фортепиано или клавесин не выделяется из массы оркестра как сольный инструмент, и клавесин среди инструментов — первый среди равных, а фортепиано только-только начинает обретать свой голос. По большому счету этот концерт похож и на симфонии, в которых предпочтение отдано какому-то одному инструменту.

🎹 Здесь после недолгого оркестрового вступления начинается партия фортепиано. Оно играет главную тему, а потом. как горячую картошку, перебрасывает эту тему оркестру, и само как бы становится аккомпанирующим инструментом, а на первый план выходят скрипки — это продолжается все три части.

В этом концерте есть необычная для Гайдна оживленность, и она похожа на то настроение, которое мы слышим в концертах Моцарта. Хотя у Гайдна все-таки традиции классической умеренности выступает прежде всего.

Йозеф Гайдн. 11-й Концерт для фортепиано с оркестром в ре мажоре
Видеопример на Ютубе
Время прослушивания: 18 минут

Мы завершили изучать творчество Йозефа Гайдна. Давайте вспомним главное и подведем итог.

🎵 Симфонии Гайдна могут отличаться необычными тональностями. Например, 45-я написана в фа-диез миноре, что весьма нетипично для музыки 18 века. Это объясняется творческим исследовательским интересом — Гайдн возглавлял оркестр, и ему интересно было попробовать что-то новое, заказать новые инструменты, сделать эксперимент.

🎼 Мы поговорили о том, какой композиторской свободой обладал Гайдн. Он мог не просто написать прекрасную музыку, а еще приспособить ее к ситуации — история с «Прощальной» это показывает.

📖 Мы поговорили о направлении «Буря и натиск», которому часто приписывают минорные симфонии, в том числе и 39-ю симфонию Гайдна. Тем не менее Гайдн сам никогда нигде не упоминает этого движения, своей причастности к нему и не дискутирует по поводу творчества в то время вообще. Ничто не свидетельствует о том, что он увлекался литературой этого направления. В 39-й симфонии есть чувство серьезного высказывания о драматизме неких событий — например, бури на море.

👂 Мы обсудили, что музыка Гайдна с первого взгляда может показаться очень стандартной для эпохи классицизма, но, как только начинаешь вслушиваться в детали, в форшлаги, то за духом классицизма начинаешь замечать пытливую гайдновскую индивидуальность.

🌱 В музыке Гайдна нет больших конфликтов, это будет прерогативой романтизма, в ней нет борьбы противоположностей и ее разрешения, и, возможно, этой борьбе здесь и не место.

🎶 В концертах Гайдна мы наслаждаемся тем, как он берет одну тему — развинчивает ее на мотивы и разрабатывает эти мотивы дальше таким образом, что они, оставаясь по своему происхождению частями главной темы, производят совершенно иное, чем главная тема, впечатление.

👇 Обсудили и послушали 👇

▪️ 45-ю симфонию, которая также называется «Прощальная».

▪️ 38-ю симфонию — «Эхо», где вторая часть практически вся состоит из перекличек скрипок — сначала мелодию играют forte, потом piano, вопрос — ответ, звук — отзвук, что дает совершенно чарующий эффект.

▪️ 39-ю симфонию, которая также называется «Буря на море» и наполнена чувствами, ощущением, будто наблюдаешь шторм с берега.

▪️ 47-ю симфонию — «Палиндром»: в третьей части сначала мелодия идет в естественном направлении, а потом она переворачивается. Это музыкальная шутка, которая была свойственна эпохе барокко с ее любовью ко всем логическим, математическим играм, какие, например, были у Баха.

▪️ 50-ю и 60-ю симфонии: 50-я родилась из марионеточной оперы, а 60-я — из музыки, дополняющей спектакль, они обе имеют медленное начало, что было совершенно нетипичным для симфонии того времени.

▪️ 82-ю симфонию — «Медведь» и 85-ю — «Королева», которые входят в цикл из шести симфоний, заказанных в 1786 году дирижером Шевалье де Сен-Жоржем.

▪️ 103-ю симфонию из цикла «Лондонских симфоний», которые были записаны для исполнения в Лондоне. Интересна тем, что начинается с остановки, с погружения в определенное состояние — это художественный эффект, чтобы аллегро произвело гораздо большее впечатление.

▪️ 104-ю симфонию — «Лондон» — последнюю симфонию Гайдна. В ней опять интересно медленное начало, напоминающее историю творения мира, которая изложена здесь более сжато, чем в его оратории «Сотворение мира».

▪️ Первый концерт для виолончели в до мажоре, написанный для главного виолончелиста оркестра Эстерхази — Йозефа Франца Вайгля. Это довольно причудливая смесь барочного ритурнеля и классической сонатной формы.

▪️ Ре-мажорный концерт Гайдна для виолончели с оркестром, в котором интересна пропорция самих частей: первое аллегро занимает приблизительно половину всего произведения. Адажио и рондо делят оставшуюся половину: на 2/3 — адажио и на 1/3 — рондо. Рондо очень живое, и после медленного тягучего адажио оно слышится как струя живой воды.

▪️ 11-й концерт для фортепиано в ре мажоре, в котором есть необычная для Гайдна оживленность, и она похожа на то настроение, которое мы слышим в концертах Моцарта. Хотя у Гайдна все-таки традиции классической умеренности выступает прежде всего.

курс Level One
Как устроена музыка

Курс из 5 лекций, который поможет взглянуть на музыку с научной точки зрения. Дадим ответы на «простые вопросы»: как устроены ноты, аккорды и тональности и почему одна музыка нам нравится, а другая — вызывает дискомфорт. А заодно поймем, что общего у Пифагора, Баха и Моргенштерна, и какой будет музыка будущего.

Сегодня можно купить со скидкой 50%
3500₽ 1750₽
образовательный проект level one
Начните разбираться
в сложных
темах
с самыми вдохновляющими экспертами
Только проверенные лекторы
23 тысячи отзывов
на лекции и практикумы
Вам понравится
4,9 из 5,0
средний рейтинг лекции
Есть из чего выбрать
До 10 разных
вебинаров в день
;