Йозеф Гайдн

Завершая свою композиторскую деятельность, Гайдн написал цикл симфоний, который назван «Лондонскими симфониями», потому что они были записаны для исполнения в Лондоне. Давайте послушаем 103-ю (11-ю в цикле).

🇬🇧 Гайдн ездил в Лондон дважды: в 1791–1792 и в 1794–1795 годах. Там его встречали очень хорошо, большой любовью пользовались его оратории — это были первые оратории со времен Генделя, которые стояли с ним на одном уровне. Симфонии имели огромный успех. Почему Гайдн не путешествовал в Лондон чаще? Потому что Гайдну уже было чуть за 60, а дороги тогда были очень плохими, и путешествия были мукой. Без лишней необходимости далеко старались не ездить. И несмотря на такой колоссальный успех и явную любовь лондонцев, Гайдн не остался там — сыграла и привязанность к родной культуре, и привязанность к службе в оркестре.

🎶 Шесть последних симфоний похожи на 50-ю и на 60-ю — у них у всех медленное начало. Давайте послушаем начало 103-й симфонии.

→ Йозеф Гайдн. 103-я симфония («С тремоло литавр»)
Аудиопример на Ютубе
⏱ Время прослушивания: 30 минут

🎵 Вступление — адажио — здесь предваряет аллегро. Если в 1750–1760-е это была необходимость, которая исходила из задачи театральной или оперной музыки, то здесь это продуманный художественный эффект. Мы не начинаем с движения, с мелодии, мы начинаем с остановки, с погружения в определенное состояние.

💥 И вдруг начинается аллегро, которое производит гораздо большее впечатление, поскольку мы введены в пространство музыки. Такое же медленное начало у 8-й сонаты Бетховена — до-минорного аккорда в малой и большой октаве — музыка медленно растет, развивается, появляется лирическая тема. Естественно, все заканчивается кодой, и начинается то аллегро, по которому большинство 8-ю сонату Бетховена и опознает.

→ Людвиг ван Бетховен. 8-я соната («Патетическая»)
Аудиопример на Ютубе
⏱ Время прослушивания: 56 минут

Таким образом Гайдном были предугаданы (или созданы?) в 50 и 60 симфониях некоторые пути классицизма.

🥁 Эта симфония открывается барабанной дробью. Какой в этом символизм? Барабанная дробь извещает о том, что произойдет что-то важное. Момент тревожного ожидания. Потом медленная тема начинается с мелодии, которая очень похожа на Dies Irae

→ Средневековое католическое песнопение (секвенция)«Dies Irae»
Аудиопример на Ютубе
⏱ Время прослушивания: 7 минут

❓ Как случилось что этот григорианский хорал стал такой вещью, которая проросла через всю европейскую музыку? Ее находят в 17, 18, 19 и даже 20 веке, это музыкальный троп, и о чем он?

📖 Софония, 1 глава:

15
Тот день будет днем гнева,
днем скорби и муки,
днем гибели и разрушения,
днем мглы и мрака,
днем туч и тьмы,
16
днем звука рога и клича к битве
против укрепленных городов
и высоких башен.

17
— Я пошлю на людей такую беду,
что они станут бродить, как слепые,
за то, что согрешили перед Господом.
Их кровь прольется, как вода,
и плоть их будет выброшена, как навоз.

18
Ни серебро, ни золото
не смогут спасти их в день гнева Господа.
В пламени Его ревности
сгорит вся земля;
внезапный конец положит Он всем,
кто живет на земле.

✊ Глядя на этот текст, мы понимаем, что григорианские монахи обладали довольно сильной выдержкой. Чтобы так спокойно петь о гибели и разрушении мира, надо быть храбрым человеком.

Для Гайдна, пламенно верующего католика, это все было, конечно, серьезно. Но он был частью светского, а не религиозного общества.

🎹 Мы слушаем этот хорал, чтобы понимать, чем было это явление и во что оно превратилось как троп. Допустим, в фортепианном концерте Равеля по версии пианиста Андрея Гаврилова (хотя, скорее, это была версия его учителя Льва Наумкина, который был склонен к такого рода исследованиям музыкальных текстов), посвященном ужасам Первой мировой войны, тоже есть эта тема. И написан он был для Пауля Витгенштейна, однорукого пианиста, который и потерял руку в Первой мировой. Это открывает новый смысл равелевской музыки.

🙏 Но у Гайдна здесь не такого трагизма, это можно сравнить с утренним молитвенным правилом верующего человека. Допустим, у христиан в молитве «Отче наш» есть слова «и не введи нас во искушение, но избави нас от лукавого» — произнося эти слова, верующий вспоминает, что есть искушение, что есть лукавый, от которого хорошо было бы увернуться, а потом идет спокойно заниматься своими делами и радоваться новому дню. Похожий эффект получается в этой симфонии. Мы как бы сначала задумываемся о пути, о Боге, о конце света.

▪️ Когда начинается аллегро (аллегро в 1 ч симфонии — 2.50) — сразу появляется радостное возвышенное настроение, которое не отпускает нас всю симфонию.

▪️ Вторая часть — адажио — представляет собой двойную вариацию. Двойная вариация — это когда у нас есть две, как правило, контрастные темы, но вместо разработки конфликта, не нужной в адажио, тема в до мажоре и до миноре, в финале — кода. Две темы проводятся, потом начинаются вариации, они могут быть как в прямом порядке, так и в обратном — это не принципиально, они заканчиваются кодой.

▪️ Третья часть симфонии — это менуэт. Здесь он абсолютно не танцевальный, на балу его не сыграешь (хотя можно использовать для большого балета).

▪️ Четвертая часть — аллегро — начинается с рожков. Они трубят несколько тактов, и потом начинается музыка этого аллегро. Чем оно интересно? Оно монотематично, то есть там одна тема, и очень длинно. Это своеобразная бравада, демонстрация композиторских способностей — этот финал довольно велик по сравнению с четвертыми частями других гайдновских симфоний. Звучит одна и та же тема, несколько видомзеняясь, на протяжении долгого времени, но звучит так, что слушатели не утомлены ею.

Премьера лондонских симфоний была встречена с успехом, вторую часть — двойную вариацию — исполняли на бис. Давайте послушаем и обсудим последнюю, 104-ю, симфонию цикла, но прежде немного поговорим о том, как проходили концерты во времена Гайдна.

👂 Сейчас у нас есть культура слушания симфонии: мы не хлопаем между частями, сидим в зале смирно, внимаем и повторение каких-то частей симфонии посчитали бы страшным дурновкусием. А в момент их создания считали иначе: не было ничего зазорного, чтобы сыграть красивую музыку еще раз, когда она всем понравилась. Примерно так искусство ороговевает, становится ригидным. Допустим, у Бетховена, позднего Брамса или Сибелиуса нет смысла повторять какую-то часть симфонии, потому что одна без другой не существует. А с музыкой классицизма это совершенно спокойно можно сделать.

🎵 104-я симфония — последняя симфония Гайдна. В ней опять интересно медленное начало. С чего она начинается? У первых скрипок тема: ми-ля-ля-ми. Тональности пока нет, мы не можем ее определить. Есть квинта и кварта — два древнейших известных человечеству интервала — это то, из чего появилась вся гармония. Это вступление напоминает историю творения мира, которая изложена здесь более сжато, чем в его оратории «Сотворение мира».

🎼 Аллегро, которое начинается после вступления, монотематично — играется одна и та же тема, которая транспонируется. Эту тему можно представить как творящую руку, творящий логос создателя. В 1794–95-х годах Гайдн был вполне в силах, тогда он не знал, что через восемь лет потеряет способность сочинять. Сейчас мы имеем дело не с тем, что хотел сказать художник, а с тем, что он в итоге сказал. Наблюдая за тем, как из ничего — из квинты и кварты — появляется целое величественное здание симфонии, мы можем сказать, что это — хороший, счастливый итог композиторской жизни Гайдна. Стоило написать 100 с лишним симфоний, чтобы последняя получилась такой.

→ Йозеф Гайдн. 104-я симфония («Лондон»)
Аудиопример на Ютубе
⏱ Время прослушивания: 29 минут

Всего Гайдн написал два концерта для виолончели: в до мажоре и ре мажоре. Между ними прошло 20 лет. Первый концерт долгое время считался утерянным, пока его партитура не была обнаружена в 1961 году. Давайте обсудим его.

🎵 Первый концерт был записан в 1765 году для главного виолончелиста оркестра Эстерхази — Йозефа Франца Вайгля. Гайдну на тот момент было 33 года, и его мастерство несравненно. Почему он написал так мало концертов для виолончели? Виолончель не была самым любимым его инструментом, а также самым интересным и популярным для сольного музицирования.

🎻 Перед нами музыка, которую написал молодой и талантливый композитор для молодого и талантливого виртуоза. Здесь есть все принятые элементы виртуозности того времени: скачки из нижнего в верхний регистр, быстрые пассажи, которые требуют совершенной координации и большого умения.

🎼 В отношении музыки это довольно причудливая смесь барочного ритурнеля и классической сонатной формы. Ритурнель — это старинный способ создавать единство. В симфониях 19 века было многообразие на основе единства — симфонии органически рождались часто из довольно небольшого материала. А в эпоху барокко о форме дискуссии не велись.

📌 Но ритурнель — это один и тот же мотив, которые перемежался контрастными частями: то есть оркестр играет какую-то мелодию, потом настроение меняется, мы погружаемся в другой мир звуков и, как только он доходит до своего логического завершения, мы слышим ту же самую мелодию. Идет третья, четвертая и пятая части, а между ними ритурнель (от итальянского ritorno — «возвращение»). Таким образом у нас создается некое впечатление цельности.

➡️ Но здесь Гайдн от этого отходит: каждая из трех частей инструментального концерта написана в сонатной форме. И та тема, с которой начинается партия виолончели, и есть главная тема первой части, которая дальше развивается. Оркестр, который играет до вступления виолончели, подготавливает нас к теме — это большая интродукция, свойственная классическим и некоторым романтическим инструментальным концертам. Здесь инструмент в большей степени часть оркестра, нежели его соперник. И тема, которую начинает виолончель, очень интересно развивается — не полностью, а как бы раскладываясь на части, из которых она составлена — небольшие мотивы. Гайдн дальше развивает их по отдельности, и все это заканчивается каденцией, и начинается медленная и полная лиричного покоя вторая часть.

🎶 Вторая часть начинается с одной ноты под аккомпанемент оркестра, который играет тему вступления. Скоро эту тему подхватывает и виолончель, но начало во всех классических произведения чрезвычайно важно.

📍 Классицизм — это ясность, стройность и иерархия.

🎼 Вводятся какие-то музыкальные тропы, которые потом будут использоваться и к которым потом будет произведена отсылка. Можно сравнить это с любой научной диссертацией: она начинается с постановки проблемы, и дальше вся мысль развивается вокруг нее. Было бы странно в диссертации по истории музыке 16 века читать про какой-нибудь современный балет. Обычно мы ввели какую-то тему и говорим об этом. Точно так же устроена музыка классицизма: эта нота, с которой начинается партия виолончели, отсылает нас к основам этой части. А в третьей части в финале мы слышим довольно большое оркестровое вступление, и виолончель вступает на длинной ноте.

→ Йозеф Гайдн. Концерт для виолончели с оркестром в до мажоре
Видеопример на Ютубе
⏱ Время прослушивания: 28 минут

Финал также написан в форме сонатного аллегро, которая тогда только начинала выкристаллизовываться и была вполне подвижной. Давайте обсудим, что мы там слышим.

🎶 Здесь тоже можно насладиться тем, как Гайдн берет одну тему — развинчивает ее на мотивы и разрабатывает эти мотивы дальше таким образом, что они, оставаясь по своему происхождению частями главной темы, производят совершенно иное, чем главная тема, впечатление. Длинноты появляются и здесь — их сыграть очень нелегко. И наиболее виртуозна последняя часть концерта — там как раз есть скачки, о которых мы говорили ранее.

💫 Виртуозность этой музыки такова, что от виолончелиста в определенный момент требуется имитировать два инструмента, играющих контрапункт. Есть много разных исполнений, но мы послушаем виолончелиста Бруно Филиппа, потому что по возрасту он близок к Вайглю (на момент исполнению тому было 25 лет, а Филиппу 24 года) — это концерт, который дышит юностью.

🧐 Но заметим, что в этом концерте есть то, что несколько не соответствует гайдновской эстетике — это современная мода поведения за инструментом. Если сравнить артистов 50–60 лет назад и артистов сейчас, то мы увидим, что сегодня принято играть гораздо более эмоционально: делать движения головой, делать одухотворенное выражение лица и показывать, что проживаешь музыку всем нутром. Но здесь такое стремление к изобразительной эмоциональности, к счастью, не сказалось на музыке.

→ Йозеф Гайдн. Концерт для виолончели с оркестром в до мажоре (финал с 20-й минуты)
Видеопример на Ютубе
⏱ Время прослушивания: 28 минут

Теперь перейдем к ре-мажорному концерту Гайдна для виолончели с оркестром — второму и до настоящего времени последнему. Почему мы так говорим?

🎵 Дело в том, что если мы заглянем в каталог Хобокена, то увидим, что концертов для виолончели всего пять. Куда же делись остальные три? Третий концерт, тоже написанный в до мажоре, был утрачен и, как и первый, относится к раннему периоду творчества Гайдна. А четвертый и пятый концерты — в ре и до мажоре — позднейшие исследователи признали неверно атрибутированными. Один из исследователей, современник Гайдна — Джованни Констанци, а другой — чешский виолончелист Давид Поппер, который сознательно создал из этого мистификацию.

🎶 Ноты второго фортепианного концерта для виолончели нашли за 10 лет до того, как нашли ноты первого — тоже в Праге. Он был известен и ранее, но подлинность было невозможно проверить — не было автографа. Его нашли в 1951 году, и подчерковедческая экспертиза утвердила, что это рука Гайдна.

🎹 Итак, 1783 год — Гайдну 50, и он пишет этот концерт, который довольно сильно отличается от первого. Он наполнен ощущением блаженного покоя. Первое аллегро написано в сонатной форме, а вторая и третья части — это адажио и рондо. Рондо — это круг, то есть форма, которая подразумевает повторение. Обычно оно устроено так: главная тема перемежается разными контрастными эпизодами. Например, если взять какую-нибудь современную поп-песню, то у нас будет куплет — припев — куплет — припев, и это тоже можно причислить к форме рондо, где припев является главной темой, а куплет — контрастным эпизодом.

🗣 Основное развитие происходит не в припеве, а в куплете, так как припев, как правило, остается тем же, а куплет изменяется. Если обратить внимание на популярную классику, то рондо можно назвать «К Элизе» Бетховена: там есть главная тема, которая звучит три раза и перемежается контрастными эпизодами — одним в мажоре, одним — в миноре.

1️⃣🎵 Здесь в первой части у нас совершенно точно сонатная форма — есть главная тема, оркестр играет, виолончель вступает и как бы подхватывает оркестр. Во время разработки появляется вторая тема, и потом они взаимодействуют между собой, есть переход в минор и снова в мажор, затем все возвращается к главной теме.

📍 Очень интересна пропорция самих частей: первое аллегро занимает приблизительно половину всего произведения. Адажио и рондо делят оставшуюся половину: на 2/3 — адажио и на 1/3 — рондо. Рондо очень живое, и после медленного тягучего адажио оно слышится как струя живой воды.

🔉 Адажио значительно медленнее, чем многие другие медленные части произведений Гайдна, которые обычно обозначались как анданте. Начинается оно в ля мажоре и вдруг в середине переходит в до мажор. У нас есть ре мажор, а ля — это пятая ступень, то есть доминанта, а до — это седьмая пониженная ступень — весьма необычный выбор, который дает эффект перехода в другое пространства.

➡️ Таким образом основой по смыслу становится не ре мажор, который задает тональный план, а ля мажор. До — это третья пониженная ступень ля мажора — мы помним, как серьезно относились к интервалам в эпоху барокко. Столь же серьезно относились и к тональностям. Гайдн как раз дал эффект мира в мире.

🕊 В этом адажио происходит полет фантазии, полет в высшие сферы, а рондо мягко возвращает нас к жизни. Нельзя сказать, что оно выдержано в форме рондо, но есть некоторые его черты. Наверное, это один из самых светлых и радостных концертов Гайдна. Они все немрачные, но этот чистотой того света, который есть в музыке, выделяется на фоне остальных.

→ Йозеф Гайдн. Концерт для виолончели с оркестром в ре мажоре
Видеопример на Ютубе
⏱ Время прослушивания: 21 минута

Теперь давайте послушаем 11 концерт для фортепиано, который тоже написан в ре мажоре.

🎵 Это последний среди всех концертов Гайдна, он писал его то ли для клавесина, то ли для фортепиано, а вполне возможно, что концерт исполнялся и на том, и на другом. Обратим внимание, что в концертах классицизма или барокко, особенно в английском языке концерты Баха и Гайдна называются «Keyboard concerts», то есть концерты для клавиатуры. А моцартовские уже называются концертами для фортепиано, хотя Моцарт в 1780-х годах, когда был написан это концерт Гайдна, уже вовсю творил. Это такая терминологическая традиция. Теперь перенесемся в 20 век, где де Фалья написал концерт, специально указав, что это концерт для клавесина. Между Фальей и гайдновским концертом прошло 140 лет, и какая появилась чуткость к тембрам! Эта чуткость даст потом целое направление в академической музыке во второй половине 20 века, который вполне можно назвать веком тембров.

3️⃣ Как и все инструментальные концерты той эпохи, этот концерт состоит из трех частей. Если говорить о терминологии, то часть по-английски называется «movement» — то есть концерт состоит из трех движений. Это очень интересно, потому что насколько термин, слово влияет на наше восприятие. Музыка — это вещь, которая развивается во времени, она не может стоять, ей нужно находиться во времени. Но когда мы говорим «часть», через язык возникает образ чего-то статичного, ограниченного с двух сторон, а у носителей английского языка другое восприятие.

➡️ Интересно, как язык, которым мы говорим о музыке, влияет на ее восприятие. Помните, мы искали образы к фортепианным сонатам или к симфониям Гайдна? Через это было легче их понимать, и восприятие музыки было богаче. Словами мы или дополняли музыкальную реальность, или создавали ее второй слой, но его содержание зависело от тех слов, что мы использовали. Мы читаем текст, пост, у нас рождаются ассоциации, и все это связано с какими-то метаструктурами, описаниями. Как мы уже говорили, множество метафор пришло в музыку из визуальных искусств, из живописи, из архитектуры.

☺️ Даже есть шутка «Если архитектура — это застывшая музыка, то получается, музыка — жидкая архитектура?»

Так или иначе, задумавшись над отдельными моментами музыкального произведения, можно расширить свое восприятие.

🎶 Этот концерт, написанный в начале 1780-х годов, — последний концерт Гайдна (больше он не писал концертов, хотя часто исполнял из них партии на фортепиано или на клавесине в своих симфониях). И он стоит на пересечении двух путей: первый — это то, что мы слышим в моцартовских концертах для фортепиано, а другой — это та старая линия, которую мы слышим у Баха, когда фортепиано или клавесин не выделяется из массы оркестра как сольный инструмент, и клавесин среди инструментов — первый среди равных, а фортепиано только-только начинает обретать свой голос. По большому счету этот концерт похож и на симфонии, в которых предпочтение отдано какому-то одному инструменту.

🎹 Здесь после недолгого оркестрового вступления начинается партия фортепиано. Оно играет главную тему, а потом. как горячую картошку, перебрасывает эту тему оркестру, и само как бы становится аккомпанирующим инструментом, а на первый план выходят скрипки — это продолжается все три части.

✨ В этом концерте есть необычная для Гайдна оживленность, и она похожа на то настроение, которое мы слышим в концертах Моцарта. Хотя у Гайдна все-таки традиции классической умеренности выступает прежде всего.

→ Йозеф Гайдн. 11-й Концерт для фортепиано с оркестром в ре мажоре
Видеопример на Ютубе
⏱ Время прослушивания: 18 минут

Мы завершили изучать творчество Йозефа Гайдна. Давайте вспомним главное и подведем итог.

🎵 Симфонии Гайдна могут отличаться необычными тональностями. Например, 45-я написана в фа-диез миноре, что весьма нетипично для музыки 18 века. Это объясняется творческим исследовательским интересом — Гайдн возглавлял оркестр, и ему интересно было попробовать что-то новое, заказать новые инструменты, сделать эксперимент.

🎼 Мы поговорили о том, какой композиторской свободой обладал Гайдн. Он мог не просто написать прекрасную музыку, а еще приспособить ее к ситуации — история с «Прощальной» это показывает.

📖 Мы поговорили о направлении «Буря и натиск», которому часто приписывают минорные симфонии, в том числе и 39-ю симфонию Гайдна. Тем не менее Гайдн сам никогда нигде не упоминает этого движения, своей причастности к нему и не дискутирует по поводу творчества в то время вообще. Ничто не свидетельствует о том, что он увлекался литературой этого направления. В 39-й симфонии есть чувство серьезного высказывания о драматизме неких событий — например, бури на море.

👂 Мы обсудили, что музыка Гайдна с первого взгляда может показаться очень стандартной для эпохи классицизма, но, как только начинаешь вслушиваться в детали, в форшлаги, то за духом классицизма начинаешь замечать пытливую гайдновскую индивидуальность.

🌱 В музыке Гайдна нет больших конфликтов, это будет прерогативой романтизма, в ней нет борьбы противоположностей и ее разрешения, и, возможно, этой борьбе здесь и не место.

🎶 В концертах Гайдна мы наслаждаемся тем, как он берет одну тему — развинчивает ее на мотивы и разрабатывает эти мотивы дальше таким образом, что они, оставаясь по своему происхождению частями главной темы, производят совершенно иное, чем главная тема, впечатление.

👇 Обсудили и послушали 👇

▪️ 45-ю симфонию, которая также называется «Прощальная».

▪️ 38-ю симфонию — «Эхо», где вторая часть практически вся состоит из перекличек скрипок — сначала мелодию играют forte, потом piano, вопрос — ответ, звук — отзвук, что дает совершенно чарующий эффект.

▪️ 39-ю симфонию, которая также называется «Буря на море» и наполнена чувствами, ощущением, будто наблюдаешь шторм с берега.

▪️ 47-ю симфонию — «Палиндром»: в третьей части сначала мелодия идет в естественном направлении, а потом она переворачивается. Это музыкальная шутка, которая была свойственна эпохе барокко с ее любовью ко всем логическим, математическим играм, какие, например, были у Баха.

▪️ 50-ю и 60-ю симфонии: 50-я родилась из марионеточной оперы, а 60-я — из музыки, дополняющей спектакль, они обе имеют медленное начало, что было совершенно нетипичным для симфонии того времени.

▪️ 82-ю симфонию — «Медведь» и 85-ю — «Королева», которые входят в цикл из шести симфоний, заказанных в 1786 году дирижером Шевалье де Сен-Жоржем.

▪️ 103-ю симфонию из цикла «Лондонских симфоний», которые были записаны для исполнения в Лондоне. Интересна тем, что начинается с остановки, с погружения в определенное состояние — это художественный эффект, чтобы аллегро произвело гораздо большее впечатление.

▪️ 104-ю симфонию — «Лондон» — последнюю симфонию Гайдна. В ней опять интересно медленное начало, напоминающее историю творения мира, которая изложена здесь более сжато, чем в его оратории «Сотворение мира».

▪️ Первый концерт для виолончели в до мажоре, написанный для главного виолончелиста оркестра Эстерхази — Йозефа Франца Вайгля. Это довольно причудливая смесь барочного ритурнеля и классической сонатной формы.

▪️ Ре-мажорный концерт Гайдна для виолончели с оркестром, в котором интересна пропорция самих частей: первое аллегро занимает приблизительно половину всего произведения. Адажио и рондо делят оставшуюся половину: на 2/3 — адажио и на 1/3 — рондо. Рондо очень живое, и после медленного тягучего адажио оно слышится как струя живой воды.

▪️ 11-й концерт для фортепиано в ре мажоре, в котором есть необычная для Гайдна оживленность, и она похожа на то настроение, которое мы слышим в концертах Моцарта. Хотя у Гайдна все-таки традиции классической умеренности выступает прежде всего.