Художественное объединение «Мир искусства»

Валентин Серов. Анна Павлова в балете Сильфиды, 1909

Начнем разговор о «Русских сезонах». Для начала выясним, как Дягилеву пришло в голову организовать крупнейшие гастроли русского искусства в Европе.

👤 В Петербурге Дягилев занимался всем: организовывал выставки, выпускал журнал «Мир искусства», занимал важные посты. Например, был редактором «Ежегодника Императорских театров», который он из скучного формального издания превратил в популярный богато иллюстрированный журнал. А потом стал уполномоченным по особым распоряжениям в Императорских театрах, что позволило завести нужные знакомства и даже попробовать себя в сценографии — тогда идеи Дягилева не пропустили как слишком радикальные. Но ему хотелось всемирной славы, а для этого надо было покорить Европу.

🖼 В 1906 году Дягилев организовал в рамках Осеннего салона в Париже Русский отдел — выставку «Два века русского искусства и скульптуры», где было представлено творчество более 100 русских художников — от мирискусников до художников 18 века, а также древнерусские иконы. Выставка произвела большое впечатление на парижан и подготовила почву для дальнейшего «наступления» Дягилева на Париж.

🎵 В 1907 году Дягилев привез в Париж первую программу. Это были пока еще не «Русские сезоны», а «Исторические русские концерты» в Гранд Опера. Программа включала пять симфонических концертов русской классической музыки: Глинку, Римского-Корсакова, Чайковского, Мусоргского. В концертах участвовали Федор Шаляпин, хор Большого театра. Они прошли на ура и убедили Дягилева, что он на верном пути.

👑 В 1908 году прошли первые «Русские сезоны». Тогда Дягилев привез «Бориса Годунова» Мусоргского — мощную, подлинно русскую оперу. Много внимания уделили антуражу: искали на барахолках традиционные предметы обихода, Билибин скупал в Архангельске сарафаны и вышитые ткани, чтобы сделать боярские шубы. Годунова пел Шаляпин, опера произвела фурор. Но заработанных денег едва хватило, чтобы покрыть расходы. Дягилев решил, что надо менять концепцию.

🗣 Вот что о первых «Русских сезонах» рассказывал Шаляпин: «Публика вела себя удивительно, так могут вести себя только экспансивные французы — кричали, обнимали нас, выражали свои благодарности артистам, хору, дирижеру, дирекции».

💃 «Русский сезоны» 1909 года стали абсолютным триумфом. Дягилев привез в Европу балет, который сам недолюбливал и считал примитивным развлечением. Было представлено пять балетов: «Павильон Армиды», «Клеопатра», «Сильфида», «Пир» и «Половецкие пляски».

💡 Балет оказался идеальным выбором. К началу 20 века это искусство в Европе умерло: классический балет был слишком дорогим удовольствием для частных театров и выродился в простое развлечение, что-то среднее между кабаре и танцами. В России балетную школу поддерживала императорская семья, поэтому удалось сохранить традиции.

🔝 Дягилев собрал труппу из лучших танцоров императорских театров. Туда входили Вацлав Нижинский, Анна Павлова, Матильда Кшесинская, Татьяна Карсавина, скандальная Ида Рубинштейн. Хореографом был Михаил Фокин. К этому добавились великолепные костюмы и декорации. Над «Павильоном Армиды» работал Александр Бенуа, над «Половецкими плясками» — Николай Рерих, над «Клеопатрой» — Леон Бакст.

🟦 Афишей «Русских сезонов» стал знаменитый портрет Анны Павловой в образе Сильфиды, написанный Серовым. Художник нарисовал балерину углем и мелом на холсте, покрытом краской загадочного сине-фиолетового цвета. Балерина позировала 11 сеансов, вставая в сложную позу, но оно того стоило: работа Серова действительно завораживает. Мы видим великолепные руки, ноги танцовщицы, а белоснежная пачка будто растворяется в воздухе, вызывая чувство неимоверной легкости.

▪️ Афиши расклеили по всему Парижу, ее коллекционировали, а злые языки говорили, что работа Серова произвела больший фурор, чем танцы самой Павловой. К слову, балерина танцевала с «Русскими сезонами» только два года, а потом создала свою труппу и успешно гастролировала по всему миру.

Давайте посмотрим, как «Русские сезоны» развивались дальше и в чем был секрет их успеха.

🚂 После триумфа 1909 года Дягилев понял, что надо дальше развивать балет. «Русские сезоны» гастролировали по всей Европе — в Париже, Монако, Лондоне, Вене, в немецких и итальянских городах. С 1915 года, когда Европу разрывала война, к гастролям прибавились США.

😡 «Русские сезоны» стали вершиной идеи гезамткунстверка — синтеза музыки, пения, танца, изобразительного искусства, что было революционно для того времени. Конечно, не всегда их принимали овациями, некоторые особо революционные идеи освистывали, в зале случались потасовки. Дягилев как талантливый антрепренер радовался скандалам: они помогали делать кассу.

💭 Дягилев постоянно держал руку на пульсе и пробовал воплощать разные идеи. В спектаклях были восточные темы, индийские мотивы, как в «Голубом боге», эротическая пластика, как в «Послеполуденном отдыхе фавна» (о нем мы еще поговорим).

🐓 В 1914 году Дягилев решил добавить русского колорита — и поставил знаменитый балет «Золотой петушок». Оформлять его пригласил Наталью Гончарову, чья выставка только что скандально прошла в Москве и закончилась судом с изъятием картин.

👨‍🎨 С 1916 года в «Русских сезонах» начали участвовать иностранцы. Первым стал испанский художник Хосе Мария Серт. В 1917 году для балета «Парад» музыку написал Эрик Сати, а либретто — Жан Кокто. Спектакль оформлял Пикассо, который создал кубистические костюмы и декорации. А еще познакомился с будущей женой Ольгой Хохловой.

▪️ В 1917 году «Парад» вызвал скандал, в зале была драка, критики говорили, что Сати и Пикассо испортили русские балеты. Но через два года этот же балет в Лондоне встретят полным триумфом.

🗣 Вот что писали после премьеры «Парада»: «Антигармонистичный, психованный композитор пишущих машинок и трещоток Эрик Сати ради своего удовольствия вымазал грязью репутацию „Русского балета“, устроив скандал, в то время как талантливые музыканты смиренно ждут, чтобы их сыграли. А геометрический мазила и пачкун Пикассо вылез на передний план сцены, в то время, как талантливые художники смиренно ждут, когда их выставят».

🎨 После этого с «Русскими сезонами» сотрудничали ведущие художники Европы: Андре Дерен, Робер и Соня Делоне, Матисс, Хуан Миро, Макс Эрнст, Джорджо де Кирико.

⚙️ В 1927 году, уже в эмиграции, Дягилев задумал создать балет про Советскую Россию, которая тогда вызывала интерес в Европе. Получился знаменитый и успешный балет «Стальной Скок», оформленный советским авангардистом Георгием Якуловым. При этом Дягилев показал Советский Союз максимально нейтрально.

🔜 «Русские сезоны» прекратились в 1929 году в связи со смертью самого Дягилева. Он болел сахарным диабетом и не соблюдал предписания врачей. У него возникло воспаление, и Дягилев быстро умер. Но его влияние на русское и мировое искусство, особенно театр и балет, неоценимо. Знаменитые школы балета — американскую, французскую, английскую, — создали выходцы из «Русских сезонов».

Поговорим о самом Сергее Дягилеве — человеке, который не рисовал, не писал музыку, не играл на сцене, но чей вклад в мировую культуру сложно переоценить.

🗣 О своей роли в «Русских сезонах» хорошо сказал сам Дягилев во время встречи с королем Испании Альфонсо. Король спросил: «И что же Вы, уважаемый, здесь делаете? Вы не дирижируете оркестром и не играете на музыкальном инструменте, не рисуете декорации и не танцуете. Так что же Вы делаете?» На что Дягилев ответил: «Мы с Вами похожи, Ваше Величество! Я не работаю. Я ничего не делаю. Но без меня не обойтись».

💡 У Дягилева был несомненный талант антрепренера. Он гениально находил новые таланты, пестовал их, сводил нужных людей, чтобы они творили вместе. Всегда чувствовал, что нужно публике, но никогда не шел у нее на поводу. Дягилев искренне любил искусство, и ему действительно было интересно создавать выдающиеся вещи. Поэтому он давал своим авторам полную свободу творчества.

🔨 Еще в молодости на Дягилева произвела впечатление одна встреча. Готовя выставку скандинавских художников, он в Швеции встретился с Андерсом Цорном — популярным художником своего времени. Усадьбу Цорна перестраивали, и сам хозяин, одетый в простую рубаху, ходил среди рабочих, забивал гвозди, все контролировал. К приезду Дягилева он переоделся и встретил его уже как эстет, успешный художник. Тогда Дягилев понял: чтобы быть на вершине, надо самому «не бояться испачкать манжет».

✨ Дягилев был талантливым рекламщиком. Он умело использовал наружную рекламу, продумывал буклеты и афиши, приглашал лучших художников. Дягилев превращал в рекламные акции выход своих артистов в свет: они посещали салоны, рестораны, знаковые места города, и были настоящими звездами, подогревая интерес.

🥂 Дягилев любил красивую жизнь — но не планировал сколачивать состояние на «Русских сезонах». Для него само это занятие скорее было важной частью красивой жизни. Он не скупился на организацию, гонорары, материалы. После очередного сезона он был рад, если денег хватало на отдых в его любимой Венеции.

✍️ Серж Лифарь, ведущий танцор антерпризы и последний фаворит Дягилева, писал о нем в своей книге: «Он тратил миллионы и миллионы на своих артистов и практически ничего на себя. У него было 2 костюма, один серый и один синий, пиджак для приемов, полный вечерний комплект, летнее пальто и тяжелое зимнее пальто, изъеденное молью. Вот то, что он называл своим багажом, богатством, заработанным за жизнь, и умер он бедняком».

Дягилев — страсти, суеверия и азарт

Поговорим о знаменитом балете — «Послеполуденный отдых Фавна» на музыку Клода Дебюсси.

🎨 Дебюсси называют импрессионистом в музыке. В его произведении нет ярких разворотов, сюжетности, но оно полно чувственности, неги, томности — музыка передает впечатление, настроение, как картины импрессионистов.

👤 Балет 1912 года стал одним из первых новаторских спектаклей Дягилева. До этого он привозил более традиционные балеты в постановке Фокина. Теперь же постановщиком впервые стал Вацлав Нижинский, который исполнял главную роль.

🏺 Нижинский вдохновлялся античной темой. Во время поездки в Грецию его впечатлили изображения на античных амфорах и барельефах, и он захотел воспроизвести в танцах эту пластику — так, как ее представлял человек начала 20 века. Герой движется не классически, по-балетному, а как оживший рисунок: меняя позы, иногда замирая. Балет длится около 10 минут, но на его постановку потребовалось 90 репетиций.

🍇 Над декорациями работал Леон Бакст. Он создал чувственный, пряно-сладкий мир мифического леса — и знаменитый костюм фавна.

🙀 Все вместе — музыка, хореография, декорации и костюмы — шокировало публику. Например, редактор и владелец газеты Le Figaro Гастон Кальмет говорил: «Это не изящная эклога и не глубокое произведение. Мы имели неподходящего фавна с отвратительными движениями эротической животности и с жестами тяжкого бесстыдства. Вот и все. И справедливые свистки встретили слишком выразительную пантомиму этого тела плохо сложенного животного, отвратительного de face и еще более отвратительного в профиль».

👍 Зато ярым защитником спектакля стал Огюст Роден — кто, как не скульптор, мог правильно понять пластический замысел? В своей статье Роден написал: «Нигде Нижинский не достигает такого совершенства, как в „Послеполуденном отдыхе Фавна". Никаких прыжков, никаких скачков, только позировки и жесты бессознательной бестиальности. Он потягивается, наклоняется, сгибается, становится на корточки, снова выпрямляется, движется вперед, затем отступает — все это с помощью движений, то медлительных, то отрывистых, нервных, угловатых. Полная гармония мимики и пластики тела. Все тело выражает то, что подсказывает ум. Он красив, как красивы античные фрески и статуи: о такой модели любой скульптур или художник может только мечтать... И ничто не может так тронуть душу, как последний его жест в финале балета, когда он падает на забытый шарф и страстно его целует».

👁 В любом случае, скандал был только на руку. Всем было интересно посмотреть на скандальное зрелище своими глазами.

Предлагаем вам попробовать себя в роли театрального критика.

Посмотрите современную реконструкцию «Послеполуденного отдыха фавна» с Николаем Цискаридзе (это займет 10 минут) — и решите, чье мнение о балете вам ближе: Гастона Кальмета или Огюста Родена?

Продолжаем обсуждать «Русские сезоны». И этот разговор был бы невозможен без Леона Бакста — художника, который во многом обеспечил успех «Русских сезонов», но и сам нашел себя благодаря участию в Дягилевских проектах.

👦 Настоящее имя Леона Бакста — Лейб-Хаим Розенберг. Он родился в Гродно в еврейской семье. Родители не одобряли его страсть к рисованию по религиозным мотивам. Когда семья переехала в Петербург к деду Лейб-Хаима, модному портному, у мальчика появилось больше свободы — тем более дед его поддерживал.

🎓 Бакст поступил в Академию художеств как вольнослушатель, но не окончил ее. Зато вошел в кружок Бенуа, стал участником «Мира искусства». Ездил учиться в Париж, сам преподавал в частной школе Званцевой. Одним из учеников Бакста был Марк Шагал. Также он учил детей великого князя Владимира Александровича — президента Академии Художеств.

👰 Был женат на дочери Третьякова — Любови Гриценко. Для этого перешел из иудаизма в лютеранство. Потом пара рассталась, но после революции Бакст увез бывшую жену с детьми с собой в Париж.

✡️ В Париже он снова вернулся в иудаизм и взял себе псевдоним Леон Бакст — от девичьей фамилии матери, Бакстер. Во Франции Баксту жилось спокойнее, чем в России, где ему как еврею приходилось подавать унизительные прошения о въезде, даже когда он был европейской звездой.

➿ До «Русских сезонов» в творчестве Бакста чувствуется влияние модерна с его гибкой линией, экзотичностью, загадочностью. Таинственная страна, затерянная в лесах, декадентка в черном платье за ужином, рушащаяся Атлантида — если бы Бакст продолжал работать в таком стиле, то остался бы художником второго ряда.

🕌 Сотрудничество с Дягилевым помогло Баксту раскрыть себя. Одной из его узнаваемых черт стала восточная тема, которая была в моде. С балетами «Клеопатра», «Шехеразада», «Жар-Птица», над которыми работал Бакст, связаны первые успехи русских балетов.

💃 Бакст сделал эскизы к костюмам и декорациям самоценными произведениями. До него это были просто рабочие материалы, зарисовки. Бакст придал каждому герою свои позы, цвета, ритм, пластику, образ. Уже на уровне эскизов рождается душа, атмосфера балета.

👳 «Русские сезоны» ввели в моду все русское и восточное: парики, тюрбаны, легкие длинные платья, шали — все, что напоминало костюмы актеров. Бакст стал одним из самых модных дизайнеров Парижа. Он разрабатывал эскизы тканей, интерьеров, посуды, мебели, ювелирных изделий.

👨‍🎨 Бакст сотрудничал с Полем Пуаре, с труппами Анны Павловой и Иды Рубинштейн, Ротшильдами и американскими фирмами. Его наградили Орденом Почетного легиона, приглашали читать лекции по искусству — за одну лекцию платили по несколько тысяч долларов. Художественный критик Мстислав Добужинский писал: «его признал и „короновал“ сам изысканный и капризный Париж», а Андрей Левинсон — «Париж подлинно пьян Бакстом».

⌛️ Бакст был нервным человеком. То много работал, то мог впасть в депрессию, был неприспособленным к жизни. У него было много планов, но он не смог долго жить в таком режиме и умер в 1924 году.

🧩 «Русские сезоны» стали одним из важных факторов развития моды и дизайна Европы. Из этой стилистики вырос Ар-деко, в моду вошли отделка мехом и бахромой, вышивка бисером, жемчуга, шали и оттоманки, тяжелые шторы и ковры. Было модно устраивать вечера в восточном стиле, где все лежали и ели фрукты на красивых подносах. Эта мода влияла даже на дизайн свадебных платьев королевских семей.

👩 А в 20–30 годы в Париж хлынул поток русских эмигрантов. Молодые русские аристократки были красивы, имели прекрасное образование, умели танцевать, играть на музыкальных инструментах. Все это сделало их востребованными моделями — Коко Шанель, например, специально искала русских девушек. Современный имидж модели как представительницы высшего света сформировали русские аристократки. До них моделей считали кем-то средним между танцовщицами и проститутками.

Невероятная Ида Рубинштейн

Завершая разговор о «Русских сезонах», посмотрим, как с ними сотрудничали авангардисты — Наталья Гончарова и Михаил Ларионов.

🖼 Зимой 1913 года у Натальи Гончаровой прошла первая персональная выставка. На ней было представлено около 800 произведений — картины, графика, скульптура, дизайнерские работы. Выставку много критиковали, но были и положительные отзывы. Один из них, ко всеобщему удивлению, принадлежал Александру Бенуа — хотя раньше он отзывался об авангардной живописи скептически.

🗣 Вот что писал Бенуа: «Я очень много пережил на выставке Гончаровой. Я понял, что не учить ее надо, а учиться у нее, что всякие крайности, всякие сложности — это оттого, что человек хочет достучаться. Талант, который не может достучаться, его не слышат. Где стены, которые ей дадут расписывать? Где храмы? Где модные журналы, где она будет публиковать свои эскизы? Где модные ателье, где она будет одевать дам?»

👩‍🎨 Бенуа предложил Дягилеву взять Гончарову декоратором в «Русские сезоны». Тот доверился чутью друга, тем более что искал новые идеи: «Русские сезоны» 1913 года прошли не очень удачно, балет «Весна священная» провалился, произошел разрыв с Нижинским.

🐓 Дягилев решил снова сделать ставку на русское, но без стилизации, а в подлинном виде. Неопримитивизм Гончаровой, вдохновленный русскими игрушками, лубком, традиционной одеждой, иконами, отлично подходил. В 1914 году «Русские сезоны» представили балет «Золотой петушок» с ее декорациями, который прошел с триумфом.

🎨 В 1915 году Дягилев привлек и Ларионова. Оба художника стали работать параллельно: Гончарова оформляла балет «Литургия», а Ларионов — «Полуночное солнце».

🔕 «Литургия» должен был стать новаторским балетом без музыки — только великолепные костюмы и декорации, показывающие интерьер церкви. В православной традиции в храме музыка не звучит, поэтому изначально предполагалось,что ритм танца будут задавать шаги танцоров. Однако после первой репетиции решили добавить звуковое сопровождение колоколов, гуслей, арфы, но спектакль так и не вышел.

🌞 «Полуденное солнце» — вариация на тему Снегурочки. Только на первый план выходит не ее история, а языческое празднование наступления весны и прихода солнца. Отсюда много солнечной тематики: целая плеяда крутящихся солнц над сценой, солнца в виде кокошников на головах, а у главного героя — еще и на рукавах.

🌲 Для следующего балета «Русские сказки» Ларионов создал движущиеся декорации. Двигалась люлька, из которой выпрыгивала кикимора, двигалась избушка Бабы Яги — внутри было два танцовщика, и избушка исполняла отдельную партию, двигался оживший лес. Также Ларионов использовал грим, меняя лица танцоров до неузнаваемости.

🦊 В балете «Байка про лису, петуха, кота да барана» Ларионов предлагает революционное решение. Он отказался от декораций, задник сделал на основе черно-белой фотографии, добавил много атрибутов цирка — помосты, канаты. У балетных артистов были дублеры-акробаты для сложных элементов. Костюмы тоже максимально простые: черные минималистичные вещи, на которых Ларионов надписал роли — кто есть кто.

👗 Гончарова также сделала большой вклад в моду. Она носила кепи, мужские брюки, что для того времени было радикальным — но кое-кто стал повторять ее стиль. Сотрудничала с модными домами Надежды Ламановой, Мырбор, Шанель. В 1920-е годы ее модели были очень популярны, их публиковали в Vanity Fair, Vogue.

🚂 Гончарова и Ларионов оказались в эмиграции из-за сотрудничества с Дягилевым. Они приехали в Европу ненадолго по его приглашению, но потом началась война, прошла революция, и весь остаток жизни они прожили в Париже.