Неопримитивизм и наивное искусство

Познакомимся с тремя представителями наивного искусства.

Давайте посмотрим на весь спектр 👇

👨‍🎨 Альфред Уоллис. Примитивист в чистом виде: никогда ничему не учился, не был знаком с искусством. Творил всю жизнь для себя, но об этом никто не знал.

👩‍🎨 Бабушка Мозес. Тоже начала рисовать в качестве хобби, но слава пришла к ней при жизни. При этом она не меняла свою стилистику и не отходила от собственных принципов.

👨‍🎨 Иван Генералич. Наивное искусство, которое кто-то может назвать не совсем наивным. Хотя Генералич не учился специально, но постоянно общался с профессиональными художниками, рано начал выставляться, сам преподавал.

Поговорим об английском примитивисте Альфреде Уоллисе. Он родился в 1855 году, то есть был сверстником Руссо и Пиросмани. Это пример непростой судьбы, благодаря которой сформировался неординарный художник.

🐟 Родился в бедной семье. Не получил образования, работал с ранних лет: сначала еще ребенком плел корзины, потом стал моряком на рыбацких шхунах. В далекие путешествия не отправлялся. Позже, когда начал рисовать на морские темы, делал это по памяти: за всю жизнь работы он запомнил каждую деталь.

⛵️ В 20 лет женился на женщине в два раза старше себя с пятью детьми. Был вынужден много работать, чтобы обеспечить семью. Позже Уоллисы переехали к Корнуэлл, тесно связанный с творчеством Альфреда. Там он продавал корабельный металлолом, работал в антикварной лавке. Когда Уоллису было 67 лет умерла его жена — и он начал писать картины.

📦 Бедность повлияла на его технику: писал на небольших картонках, которые брал из коробок, пачек сигарет и пакетов чая. Иногда это мог быть кусок жести или доски. Часто «холст» был неправильной формы: круглым, со скошенными углами или даже треугольным. Это придает картинам очарование: Уоллис обыгрывает это в композиции, неправильность придает работам ощущение детской наивности.

🎨 Писал очень приглушенной палитрой: много серого, коричневого, белого, темного, голубого. Из ярких цветов — только желтый и красноватый. Это объясняется суровой природой английского побережья, а также качеством красок. Интересно, что Уоллис рисовал много шхун, морские пейзажи — и пользовался для этого самыми дешевыми красками, которыми раскрашивали суда.

👁 Точка обзора в пейзажах находится будто немного сверху. Нередко на картинах заметны признаки карты: видимо, сказывалось прошлое моряка. Нет правильных перспектив, часто главные, значимые объекты — самые масштабные, как на детских рисунках.

👏 Работы Уоллиса высоко оценили профессиональные художники, которые приехали в Корнуолл на этюды. Но умер он в бедности, а картины продавал за гроши. Сегодня они стоят десятки тысяч долларов, хранятся в разных собраниях, в том числе в галерее Тейт в Лондоне.

Поговорим об Анне-Марии Мозес, более известной как Бабушка Мозес. Она тоже была из поколения Руссо и Пиросмани — родилась в 1860 году, но начала рисовать и получила признание уже в преклонном возрасте.

👩‍🌾 Родилась в бедной фермерской семье. В 12 лет устроилась помощницей в богатую семью. Вышла замуж, с мужем много работала на чужих фермах, из десяти детей пятеро умерли в раннем возрасте. Когда удалось накопить на свою ферму, Анна-Мария продолжала тяжело работать с утра до позднего вечера.

🎨 В 1927 году муж умер, хозяйство взял на себя один из сыновей. Анна-Мария занималась вышивкой, но помешал артрит. Тогда дочь посоветовала ей живопись — и та быстро втянулась. Позже Бабушка Мозес шутила, что если бы не это, она могла печь блинчики на продажу или заниматься каким-то другим делом.

🖼 Анна-Мария писала работы небольшого формата и дарила родным и друзьям на праздники. Ее картины висели в домах по всей округе, в том числе на стене аптеки. В эту аптеку случайно заглянул коллекционер Луис Кальдор — и в восхищении скупил все работы, а потом нашел Анну-Марию и купил все у нее, заплатив баснословные 200 долларов — сама она продавала картины не дороже пяти долларов. Кальдор пообещал сделать Анну-Марию знаменитостью, а та решила, что он сумасшедший.

🗽 Кальдор отправился по галереям Нью-Йорка. Интерес к работам Мозес был, но никто не хотел рисковать с выставками художницы, которой на тот момент было уже около 80 лет. Кальдор все же устроил картины Мозес на выставки вместе с другими художниками. Потом ею заинтересовались, прошла персональная выставка, еще одна.

👏 Бабушка Мозес стала сенсацией. Ее работы печатали на открытках многомиллионными тиражами, выставки проходили в Америке и в Европе. Она с удовольствием приезжала на выставки, выступала с речами, общалась с поклонниками — и всех очаровывала. Награду ей вручал президент США, а ее фото попадали на обложки «Тайм» и «Лайф». Анна-Мария продолжала рисовать и прожила до 101 года. За свою жизнь она создала около 1500 работ.

👨‍🎨 Профессиональные художники обижались на такой успех. Они считали, что чопорная Европа восторгается картинами Мозес, потому что не хочет признавать «серьезного» американского искусства. Как бы то ни было, сегодня Бабушка Мозес — одна из самых известных художниц в области наивной живописи.

❄️ Бабушка Мозес писала уличные сцены, домашние праздники и пейзажи (обязательно населенные людьми — у наивных художников мир всегда обитаем). Изображала разные времена года, но больше всего любила зиму. При всей наивности пейзажей Мозес, некоторые сравнивают их с пейзажами Питера Брейгеля Старшего по схожему внутреннему ощущению.

⬜️ Живопись декоративная, с большим количеством мелких деталей. При этом люди, животные, дома могут быть изображены пятнами одного цвета — причем, как и Пиросмани, Бабушка Мозес не боится чистого белого цвета, который кажется не проработанным холстом.

🪑 В интерьере еще больше видны нарушения перспективы. Бабушка Мозес рисует, как дети, выбирая для каждого предмета самый выразительный ракурс и не заботясь о реальности: если стол, то с вывернутой столешницей, если кофейник — то «в профиль», чтобы было видно ручку и носик.

💭 За другие темы Бабушка Мозес не бралась. Когда ей предлагали написать что-то на исторический или религиозный сюжет, она отвечала, что это было бы так же нечестно, как пытаться изобразить картины отдаленного будущего.

В завершение части поговорим о представителе наивного искусства, который родился намного позже других героев — в 1914 году. Он рано был признан профессионалами, участвовал в крупных выставках и в итоге стал основателем собственной школы. Речь о хорватском художнике Иване Генераличе.

🏠 Родился в небольшом подравском селе Хлебине в бедной крестьянской семье. С детства любил рисовать. Материалов не было, так что приходилось исхитряться: рисовал на песке, угольками, подкрашивал воду цветной бумагой.

🎓 В 15 лет познакомился с профессиональным художником Христо Хегедушичем, основателем прогрессивного художественного объединения «Земля». Тот стремился сохранить творческую индивидуальность Генералича, но дал ему определенные навыки: работа с крестьянскими детьми была одним из пунктов программы «Земли».

🖼 В 1931 году Генералич принял участие в первой выставке в Загребе. Выставок становилось все больше, Генералич получал признание, в итоге стал преподавать в Хлебинской школе. В 1934 году женился, учил в школе и своего сына Йосефа — тот тоже стал представителем наивного искусства. Генералича привлекали к работе в театре, оформлению книг.

🧩 Всего Генералич принял участие в десятках выставок. В 1953 году прошла его персональная выставка в Париже, которая вызвала большой интерес. В 1955 году он принял участие в престижной Биеннале в Бразилии, в 1958 году — на крупной европейской выставке в Брюсселе, где его работы соседствовали с картинами Дали, Кандинского и Пикассо.

🎨 Любимая и знаменитая техника Генералича — живопись маслом по стеклу. Она восходит к местной декоративной живописи 19 века. Живопись на стекле всегда ярче, а проникающий сквозь заднюю поверхность свет создает дополнительный эффект внутреннего свечения. Генералич сделал эту технику основной в своей Хлебинской школе.

🏛 Генералич был знаком с классической традицией. Перспектива, пропорции в его картинах правильнее, чем у других наших героев. Хотя в формах есть упрощение, обобщенность трактовки. При этом в его работах видна детальность, точность — например, в том, как он прорабатывает деревья.

🔎 Творчество Генералича изучено, как у серьезного художника. О нем еще при жизни писали монографии и исследования на разных языках. Исследователи разделили его творческий путь на несколько периодов:

▪️ Период «Земли». Следуя целям объединения, Генералич пишет работы на социальную тему, поднимает проблемы села.

▪️ Лирический период, или «Бельканто». Художник обретает свой художественный язык. Усложняется колорит, появляются более объемные построения.

▪️ Реализм и социальная тематика. В этот период много портретов простых людей, традиционных деревенских тем — ярмарка, сбор урожая, встречаются даже тракторы.

▪️ Зрелость и международное признание. Работы становятся более метафорическими. Появляется любимая наивным искусством мифологическая тематика, вроде единорогов и сказочных оленей.

▪️ Период личного маньеризма и позднее творчество. Часто встречается изображение петуха — он становится символом Хлебинской школы. Это период зрелого, осмысленного творчества с отсылками к мировому искусству. Например, «Девушка с кошкой» — воспоминание о портретах дам Раннего Возрождения.

Ар брют — искусство аутсайдеров