Символизм в литературе

Поговорим о поэзии французского символизма. Давайте разберемся, почему все началось именно во Франции.

📚 Поэзия, которую французские читатели открыли благодаря манифесту Мореаса, — это в первую очередь тексты 1870-х годов. Французская культура в это время представляет собой очень неоднородное и конфликтное поле: для кого-то актуален романтизм (еще жив и популярен Виктор Гюго), для кого-то — натурализм Эмиля Золя, тут и там возникают странные персонажи, которых все чаще называют декадентами.

🧨 Символизм привлек новое поколение, потому что был идеальным раздражителем, нарушавшим сразу ряд норм.

➖ Символисты были равнодушны к нормальной литературной карьере, до 1886 года многие их тексты вообще не печатались, их не волновала профессиональная критика (для них поэт — это маг, посредник между тайной и теми, кто о ней догадывается).

➖ «Смутность» символистской поэзии во французском контексте имеет особенно провокационный смысл. Главные традиционные ценности французской культуры — ясность, точность, прозрачность. Даже романтическая поэзия на французском звучит гораздо рациональнее, чем на немецком или русском.

🗣 Патриотически настроенные критики обвиняли символистов в том, что они поддались «северному» влиянию — со стороны немецкой, скандинавской и русской литератур — и отказались от солнечного латинского наследия ради северных идеалистических туманов.

❤️ При этом из всех разновидностей символизма французский все равно наиболее «материалистический». Намеки и ассоциации у французских поэтов складываются из образов осязаемого мира, в том числе откровенно телесных, связанных с эротическими темами или с физической смертью.

➡️ Это продолжение открытий Бодлера, который показал, что поэзия может работать с тем, что раньше казалось антипоэтическим — безобразным, страшным или слишком интимным.

Давайте поближе познакомимся с Верленом: узнаем главные темы его творчества и почему он все же остался в истории литературы символистом.

👤 Поль Верлен (1844 — 1896) — единственный из наших героев, кто построил относительно стабильную карьеру — несмотря на его маргинальный и даже агрессивный имидж. Он, по крайней мере, последовательно публиковал сборники своих стихов. Поэтому именно вокруг Верлена стали собираться первые кружки поклонников новой поэзии, называвших себя декадентами.

❌ Верлен, однако, категорически отказывался признавать себя символистом. Когда в 1891 году журналист Жюль Юре брал интервью у лидеров всех тогдашних литературных школ, Верлен на вопрос о символизме ответил потоком ругательств и заявил, что не хочет иметь ничего общего с этими «немецкими» идеями.

❓ Почему Верлен все же остался в истории символистом?

🖋 Стиль Верлена всегда легко узнать по специфической атмосфере, настроению, которое он транслирует. Это меланхолия, неопределенная тоска, ностальгия, предмет которой неизвестен, томление.

💔 Оригинально здесь не само чувство (сплин уже исследовали и Байрон, и Лермонтов, и Бодлер), а настойчивый отказ найти ему какой-то исток или причину. Вот одна из «Забытых ариэтт» в переводе Сологуба:

***

В слезах моя душа,
Дождем оплакан город.
О чем, тоской дыша,
Грустит моя душа?

О, струи дождевые
По кровлям, по земле!
В минуты, сердцу злые,
О, песни дождевые!

Причины никакой,
Но сердцу все противно.
К чему же траур мой?
Измены никакой.

Нет горше этой муки, —
Не знаешь, почему,
Без счастья, без разлуки
Так много в сердце муки!

🔎 Монотонное состояние охватывает одновременно героя и мир вокруг него. Его нельзя объяснить, превратить в сюжет (например, любовный), нельзя остановить. У героя нет никаких отличительных черт, никакой личной психологии — он как будто сам и есть тоска.

✨ Мы не знаем, что было раньше, слезы или дождь, и есть ли вообще между ними разница. Магия этого стихотворения раскрывается лучше всего, если увидеть разницу в русских переводах — достаточно посмотреть на первую строфу. У Иннокентия Анненского — тягучее мрачное томление:

Сердце исходит слезами,
Словно холодная туча…
Сковано тяжкими снами,
Сердце исходит слезами.

А у Пастернака — легкая хандра с дождиком:

И в сердце растрава,
И дождик с утра.
Откуда бы, право,
Такая хандра?

🔆 Это и есть текст, который порождает бесконечные интерпретации: читатель свободен решать, насколько трагически или серьезно его воспринимать.

🎵 Главная тема Верлена, как мы уже знаем из «Искусства поэзии» — музыка. Верлен не только считает, как и романтики, музыку идеальным искусством, он пытается максимально приблизить к ней поэтический язык — на французском языке это никто до него не делал в таком масштабе.

🎻 В его стихах на каждом шагу упоминаются конкретные музыкальные инструменты и жанры, но часто и просто «музыка» или «песня». Но важнее, что Верлен всегда прибегает к ярким звуковым эффектам и песенным ритмам, что сделало его одним из любимых поэтов многих композиторов — к этой теме мы вернемся в воскресенье.

А теперь погрузимся в творчество Артюра Рембо и узнаем, в чем для него смысл поэзии.

👤 Артюр Рембо (1854 — 1891) превратился в почти мифическую фигуру благодаря необычности своей творческой истории. Вундеркинд, в детстве легко писал стихи на латыни, а подростком отправился завоевывать Париж. С 16 лет и до 21 года он успел написать столько гениальных стихов, чтобы навсегда остаться в истории поэзии (а также перевернуть жизнь Верлена). К 1874 году он разорвал все связи с литературой, отправился путешествовать и прожил еще одну жизнь, достойную авантюрного романа.

📕 Рембо — поэт визуальный, и его главные мотивы всегда связаны с видением, оптикой, необычной точкой зрения. Стихи Рембо кажутся полной противоположностью верленовским. Резкие, яркие образы, постоянное движение, сложные метафоры, мифологические и литературные аллюзии.

📖 Вспомним знаменитый сонет «Гласные» в переводе Гумилева:

А — черно, бело — Е, У — зелено, О — сине,
И — красно… Я хочу открыть рождение гласных.

А — траурный корсет под стаей мух ужасных,
Роящихся вокруг как в падали иль в тине,

Мир мрака; Е — покой тумана над пустыней,
Дрожание цветов, взлет ледников опасных.

И — пурпур, сгустком кровь, улыбка губ прекрасных
В их ярости иль в их безумье пред святыней.

У — дивные круги морей зеленоватых,
Луг, пестрый от зверья, покой морщин, измятых
Алхимией на лбах задумчивых людей.

О — звона медного глухое окончанье,
Кометой, ангелом пронзенное молчанье,
Омега, луч Ее сиреневых очей.

👀 Хотя хочется читать это стихотворение как упражнение в синестезии, Рембо утверждал, что у него на самом деле нет этого свойства, и в жизни он не ассоциирует звуки и цвета.

🔎 Если присмотреться, мы увидим, что ассоциации в тексте гораздо сложнее: каждая гласная вызывает поток образов визуальных, осязательных, звуковых. Это один из идеальных примеров того, как весь текст работает как символ: ни один отдельный элемент в нем не имеет смысла, мы вынуждены пытаться понять целое.

🔐 Одна подсказка все же есть: «Омега» в конце указывает на движение не по ряду гласных, а от Альфы к Омеге, от начала к концу (библейское «Аз есмь Альфа и Омега» — это Бог, который словом охватывает все мироздание).

🔮 Для Рембо смысл поэзии — в «ясновидении»: «Поэт превращает себя в ясновидца длительным, безмерным и обдуманным приведением в расстройство всех чувств» (из письма Полю Демени, фактически манифеста Рембо). То есть приблизиться к истине можно только если полностью перевернуть «нормальный» взгляд и научиться в словах создавать никем еще не виданные, невозможные картины.

А. Фантен-Латур, «Угол стола» (1873). Верлен и Рембо — крайние слева

Давайте поговорим о Стефане Малларме и узнаем о его понимании поэзии.

👤 Стефан Малларме (1842 — 1898) — третий столп французского символизма. Он кажется самым спокойным и буржуазным, но на самом деле как поэт он самый радикальный и авангардный из всех троих.

🏠 Малларме был хозяином одного из главных литературных салонов конца 19 века: с середины 1880-х по вторникам у него собирались художники, композиторы, критики, и именно сюда стремились попасть увлекшиеся символизмом англичане, немцы, русские.

❄️ Постоянные мотивы его поэзии — знаки пустоты, небытия. Белизна (кружево, снег, белые цветы), пустые пространства, тишина и молчание — вот все, о чем остается говорить поэту.

👤 Герой Малларме всегда чувствует свое бессилие, невозможность ни выразить себя, реализоваться в слове или в деле, ни полностью замолчать. Во многих стихотворениях появляется персонаж, пытающийся убежать, вырваться, ускользнуть от преследующей его странной силы — всегда безуспешно.

💧 Часто в роли этой силы выступает классический знак, который должен бы указывать на чистое и возвышенное. Например, в стихотворении «Лазурь»: у Малларме она (L’Azur, без объяснений — словно сам небесный цвет как таковой) притягивает и пугает и даже смеется над героем.

➡️ Прочитаем стихотворение, которое у Малларме называлось просто «Сонет», но во всех русских переводах известно как «Лебедь» (перевод Брюсова):

Бессмертный, девственный властитель красоты,
Ликующим крылом ты разобьешь ли ныне
Былое озеро, где спит, окован в иней,
Полетов ясный лед, не знавших высоты!

О лебедь прошлых дней, ты помнишь: это ты!
Но тщетно, царственный, ты борешься с пустыней:
Уже блестит зима безжизненных уныний,
А стран, где жить тебе, не создали мечты.

Белеющую смерть твоя колеблет шея,
Пространство властное ты отрицаешь, но
В их ужасы крыло зажато, все слабея.

О Призрак, в этой мгле мерцающий давно!
Ты облекаешься презренья сном холодным
В своем изгнании, ненужном и бесплодном!

❗️ Заметьте, что cygne — «лебедь» — на французском звучит так же, как signe — «знак».)

❓ Понятно, что это не зарисовка из птичьей жизни — но кто этот лебедь, если не просто птица? Есть достаточно сильная традиция, в которой лебедь прямо означает поэта — она восходит к оде Горация, где свободный полет прекрасной белой птицы означает поэтическое бессмертие.

☁️ Уже у Бодлера появился лебедь, который не взлетит — вырвавшийся из клетки, но больной, он не может взлететь и с упреком смотрит в небо.

⚡️ Но если бодлеровского лебедя наблюдает со стороны лирический герой, у Малларме ситуация тотальна. Нет ничего, кроме белой пустыни, нет места, куда лебедь хотя бы в воображении поэта мог бы улететь (буквально он «не спел себе места для жизни»).

🔎 Поиск всеобъемлющего, идеального текста был делом всей жизни Малларме — он говорил об идее некоей «Книги», абсолютного произведения, к которой должны привести все его поэтические эксперименты.

📖 Ближе всего к воплощению этой идеи самое удивительное произведение поэта — «Бросок игральных костей никогда не отменит случая». Текст поэмы набран разными шрифтами и располагается на страницах словно вразнобой — так, что читатель вынужден обращать внимание на графическую, визуальную сторону поэзии, на внезапные пробелы между словами, пространство чистого листа.

📌 Этот текст выходит за рамки символизма и предугадывает эстетику авангардных и даже постмодернистских авторов.

Э. Мане, «Портрет Стефана Малларме» (1876)

📖 Давайте прочитаем «Бросок игральных костей никогда не отменит случая» Стефана Малларме в переводе Фрейдкина.

❗️ Ключевой момент произведения — верстка, поэтому если у вас есть возможность, то рекомендуем посмотреть текст с компьютера.

Время прочтения 〰️ 10 минут.

Встречались ли вам похожие тексты?