Советские шестидесятники

Начнем с Анатолия Зверева.

🔝 Анатолий Зверев — лучший русский рисовальщик по мнению Пикассо. Его работы покупали русские коллекционеры. Благодаря деятельности советского коллекционера Георгия Костаки, творчество Зверева стало хорошо известно в дипломатических кругах и на Западе. Он даже написал портрет генсекретаря ООН Дага Хаммаршельда. Иностранцы с удовольствием приобретали его работы.

👨‍🎓 Зверев не получил законченного академического образования. Он учился сам, главным своим учителем считал Леонардо да Винчи и говорил, что превзошел его. Источники вдохновения Зверева: Левитан, Саврасов, затем Врубель, фовисты и постимпрессионисты (их работы показали в 1953 году в Москве).

🤪 У Зверева был своеобразный характер. Неряшливый и брутальный, он всегда шутил, был вечно пьяным человеком-карнавалом, носил рубашки наизнанку, фамильярничал с посторонними. Но за талант ему все прощали.

✊ Для современников Зверев воплощал дух свободы. Он отказал Третьяковке, когда та хотела купить его работы, Зверева преследовали за тунеядство, закрывали в психушку. Он был равнодушен к славе и деньгам, скитался по друзьям, мог написать портрет за две минуты с помощью кетчупа и горчицы.

1️⃣ Зверева называли «первым русским экспрессионистом». Когда на выставке Поллока в Москве в 1959 году кто-то сказал Звереву: «Вот кому вы подражаете», тот ответил «Ну, это академизм. Я ушел гораздо дальше». Он действительно начал писать на фанере, разбрызгивая краски, еще до Поллока.

✍️ Зверева не интересовала абстракция сама по себе. Он соотносился с абстрактными экспрессионистами только тем, что его манеру работы можно отнести к «живописи действия».

▪️ Процесс создания его работ напоминал технику дриппинга (он обливал бумагу и все вокруг, бросал кисть в таз, затем доставал, набирал гуашь разных цветов и начинал рисовать. Капли разлетались в разные стороны, краску Зверев размазывал тряпками, а иногда даже ботинком. Мог писать чем угодно: бритвенным помазком, ножом, окурком.

🕺 Зверев всегда импровизировал и превратил момент создания картины в перофманс. Он часто писал на глазах у друзей, делая из написания картины фарс, оставлял картины в благодарность за ночлег.

🎨 Зверев работал с разными материалами и не использовал чистые цвета, поэтому поверхность его картин напоминает мрамор. Он работал тушью, гуашью, маслом, акварелью в сухой технике на мокрой бумаге. Часто смешивал материалы: масло с акварелью, акварель с тушью. Мог смешивать краски со свеклой, творогом, вином, пеплом, соломой, чтобы получить необычные цвета и фактуры.

🔀 В его работах смешаны черты многих стилей. Больше всего в них можно увидеть от фовизма, абстракционизма, экспрессионизма.

💭 В портретах Зверева мало сходств, но много душевного состояния. Его музой была Оксана Асеева (вдова Асеева). В момент знакомства ей было 76 лет, что на 39 лет старше художника. Он всегда изображал ее рыжеволосой молодой красавицей. Если его модели возмущались и кричали «Это не я!», он отвечал «Если я тебя написал, значит, ты».

🏢 В Москве есть музей Анатолия Зверева — частный музей одного художника, который создан после выставки 2012 года.

Владимир Яковлев — талантливый художник с тяжелой судьбой. Давайте посмотрим на манеру его творчества и трудную жизнь.

💔 Большую часть своей жизни Яковлев провел в психиатрических больницах. Он наблюдался у психиатра с 11 лет. Когда художник чувствовал, что приближается ухудшение, то сам просил отвезти его в больницу. С 16 лет он начинает терять зрение. Писать Яковлев мог только вплотную приблизив лицо к холсту.

🤓 У Яковлева не было художественного образования, он был русским самородком. Живопись увлекла его после Фестиваля молодежи. У Яковлева сразу стало получаться. Друзья называли его «русским Ван Гогом».

🔘 В ранних работах он пробовал разные манеры. Больше всего обращался к абстракции и экспрессионизму под впечатлением работ Поллока. У Яковлева была ювелирная техника — филигранная пуантель. Но из-за падающего зрения он со временем перешел к широким энергичным мазкам и фиксировал только самое главное.

💬 Яковлев не играет со смыслами. Все его работы трагичны и автопортретны — это символы, отражение души. Он осознанно упрощает изображение, чтобы убрать все лишнее и оставить только суть.

〰️ Его работы предельно обобщены и максимально просты. Но несмотря на простоту, работы оставляют ощущение динамики за счет того, что он кадрирует изображение, смещает линию горизонта и перспективу.

▪️ Например, одна часть картины строилась с помощью классической перспективы, а на второй перспектива отсутствовала, и на первом плане просто оказывался самый важный предмет.

🥀 Самые известные серии Яковлева — коты и цветы. Все, что он изображает, портретно. Его цветы не назовешь натюрмортом, а котов — анимализмом. Перед нами не цветок или кот, а портрет цветка, кота или рыбы.

▪️ Котов он заимствовал у Пикассо, а цветок — символ недолговечного, хрупкого и мимолетного. Символ трагедии, которой была для него жизнь.

Дмитрий Краснопевцев — еще один представитель неофициального искусства, мастер «метафизического натюрморта». Давайте посмотрим, что это значит.

💭 Для работ Крансопевцева характерен отказ от реальности и обращение к глубоким уровням осмысления действительности. На Западе в подобном стиле работали Джорджо Моранди и де Кирико.

🗣 «Красоту необходимо заключить в раму формы, иначе она ускользнет»

🔀 В творческой манере Краснопевцева переплетаются традиции символизма и сюрреализма. Он помещает реальные предметы в безвременное пространство, изображает не вещи, а архетипы. Причем почти в каждой работе живой предмет соседствует с неживым.

💀 В своих натюрмортах он изображал предметы советского быта: керамические горшки, сухие растения, раковины. Это — «черепа вещей», символы иллюзорности мира.

Человек-легенда, гражданин без паспорта, «Юродивый СССР», «Вася-фонарщик», «Вася-русский сувенир» — все это прозвища Василия Ситникова.

#️⃣ В 1941 году Ситникова арестовали за то, что он собирал разноцветные немецкие листовки, чтобы на них рисовать. Это событие изменит его жизнь. В тюрьме он отлично отыграл роль сумасшедшего и попал на три года в психушку, где был официально признан душевнобольным.

🤪 В 1944 году Ситников вернулся в Москву, но продолжал виртуозно отыгрывать созданный образ сумасшедшего. Кабаков считает, что этот образ давал ему определенную свободу. Когда вся страна — это сумасшедший дом, то единственная форма выживания — быть безумным. А с безумцами системе сложней справится.

👨‍🎓 В своей мастерской Ситников открыл частную школу рисования. Он преподавал весьма своеобразно. Сам не пил и не курил и ученикам не разрешал, требовал строжайшего послушания. Ситников создал свой язык, на котором общался с учениками, и с помощью которого писал комментарии на их картинах. Язык назывался «как слышится, так и пишется». Кабаков называл его школу «сектой».

▪️ Говорили, что иногда он вел занятия голым, но у этого факта нет подтверждения.

🔀 В его зрелом творчестве Ситникова прослеживаются два направления: «пьяная черная Русь» (лубочные виды Москвы, соединенные с карикатурной реальностью советского бытия) и метафизические работы (натюрморты, обнаженные).

1️⃣ Лубочные картины пользовались огромным спросом у иностранцев. На них почти всегда присутствует снег и сам художник.

2️⃣ Метафизические работы поражают филигранностью исполнения и при этом не лишены юмора. Например, в работе на мифологический сюжет «Похищение Европы» Ситников изобразил быка, насилующего Европу, и назвал «Слезай, Европочка, приехали!».

🙏 Все заработанные деньги Ситников тратил на покупку икон, которые перед эмиграцией передал в дар музею Андрея Рублева.

Как Георгий Костаки спасал советский авангард