Советские шестидесятники

Начнем с Юрия Злотникова.

1️⃣ Юрий Злотников — первый абстракционист новой эпохи. Его творчество относят к абстрактному минимализму. Золотников стремился создавать вещи, которые будут оказывать на зрителя физическое влияние.

🔢 Злотников также увлекался математикой — он прослушал курс семинаров Израиля Гельфанда по биоматематике в МГУ. Это отразилось в его работах. Для создания своих произведений Золотников использовал методы математики, кибернетики и теории биотоков. Он мечтал, что на основе его трудов будут оформлять космические корабли.

〰️ Самая известная работа — серия «Сигнальная система». Это картины-исследования, для создания которых художник использует точки, линии, геометрию. Серия была задумана как научное исследование воздействие живописи на человека.

📡 Для Злотникова искусство — это модель внутренней жизни художника. По его мнению, искусство способно «ловить» сигналы эмоций и переживаний человека и преобразовывать их в геометрические фигуры.

👀 Злотников создает обнаженный автопортрет — одну из самых скандальных серий того времени.

🔀 В середине 1960-х появляется «метафорическая» серия работ, над которой художник будет работать до конца 1980 года. Это сочетание хаоса и порядка, геометрии и поэзии, частиц и вселенной. Злотников использует свой художественный язык — силуэты и точки.

Теперь поговорим о творчестве еще двух художников — Владимира Слепяна — «русского Поллока», и Бориса Турецкого — абстракциониста и представителя советского поп-арта.

🔝 Владимир Слепян — один из самых влиятельных шестидесятников. Ему принадлежит манифест «Трансфинитное искусство», в котором он утверждал, что назначение произведения искусства — свидетельствовать о совершенном действии, а само искусство — это действие, через которое приходит освобождение.

✍️ Слепян занимался живописью действия, как Поллок. Для одной из своих работ он расстелил на полу полотно длиной 50 метров и за тридцать минут расписал его тушью. Позже он делал то же самое и на 100-метровом полотне.

🙌 В его творчестве большую роль играет жест. Жесты позволяют воспроизвести последовательность сигналов. В процессе творчества должно быть задействовано все тело художника.

📚 Слепян эмигрировал в 1958 году и через несколько лет перестал заниматься живописью, переориентировавшись на литературу.

🌍 Для другого представителя шестидесятников Бориса Турецкого главной темой было несовершенство мира. Он последовательно двигался от фигуративной живописи к абстракции, а затем от абстракции к объекту. Его фигуративная живопись напоминает работы Диего Риверы.

↕️ Турецкому принесли известность огромные гуаши размером до двух метров. Михаил Рогинский, советский и французский художник, называл эти работы «дурдомом».

📑 Турецкий написал серию «Застолье» в 1000 листов — история про распад мира. В каждой работе он раскладывает сюжет на фрагменты, а затем на геометрические фигуры. Создается ощущение, что эти работы — внутренний мир «больших гуашей».

🖌 Для следующего цикла Турецкий закрашивает листы гуашью, создавая рельефную поверхность. При этом сами листы подвергались физическому воздействию – проколам, стиранию. Это символизировало разорванное сознание.

👞 Позже Турецкий полностью отошел от фигуративной живописи и стал работать с объектами. Он создает ассамбляжи из обуви, консервных банок, перчаток, вилок, деталей женского туалета, которые складывались в портреты. За эти работы Турецкий был приписан к советскому поп-арту.

💭 Лучше всего о своем творчестве сказал сам художник: «Занесло меня на эту планету. Странный человек отец… и другие… Как я попал на эту местность, в эту квартиру. Мама, жена, еще какая-то баба. Куча знакомцев. Дела какие-то. Откуда это все взялось. Кто они, и те, кто был, и те, кто еще появляется».

Работы советского представителя символического сюрреализма Владимира Янкилевского есть в экспозициях почти всех музеев мира, включая галерею Тейт и центр Помпиду. Давайте поговорим о его работах.

🛣 На творчество Янкилевского сильно повлиял Элий Белютин. Но Янкилевский смог пойти дальше и найти собственный путь.

🚪 Культовая работа Янкилевского — «Дверь». Он долго искал форму, с помощью которой можно передать то, как человек переживает три состояния: прошлое, настоящее и будущее. Этой формой-символом и стала дверь. Художник показывает экзистенциальное пространство-ящик между реальностью и мечтой. Сам человек находится в реальном мире, а его силуэт символизирует прорыв в новое пространство.

🗣 «Мы всегда стоим перед какой-то дверью. Перед тайной. Потом мы ее открываем, оказываемся в нашем реальном бытии, в нашей реальной жизни, но всегда есть выход еще куда-то»

▪️ «Дверь» почти никто не видел. Работу купила французская галеристка и искусствовед Дина Верни в 1973 году и вывезла из страны под видом «шкафа». Под названием «Шкаф» Дина и выставила работу, которая из-за этого приобрела новый смысл, но при этом утратила изначальный.

3️⃣ Янкилевский создавал триптихи, но всегда открещивался от христианской аналогии. Для него триптих — это два полюса, между которыми лежит «ландшафт» возможного диалога. Этими полюсами может быть любой антогонизм: мужское и женское, темное и светлое, две стороны одной натуры, два поколения и т. п.

▪️ К этому циклу относятся работы «Диалог», «Триптих №1», «Исход», «Триптих №5. Адам и Ева». Мужское начало Янкилевский часто изображает в профиль, как символ развития и динамики, а женское начало, как более стабильное, в анфас.

▪️ Работа «Триптих №4. Существо во Вселенной» показывает противостояние отца и сына. Отец смотрит в прошлое, сын в будущее. Перед нами диалог самого Янкелевского с отцом.

✏️ В графике главные герои Янкелевского — мутанты. Он сочинил для них отдельный мир и даже новый язык («Дри!»).

🗿 Также он занимался и монументальной скульптурой. Здесь любимой темой выступают люди в ящиках. Ящики для художника — это граница, оделяющая внутренний мир человека от окружающей среды. Ящик может принимать любую форму. Форма ящика отражает способность личности сопротивляться внешнему давлению. Если личность сильная — то ящик выпрямляется. Если нет, то ящик принимает форму среды.

Власть относила Михаила Рогинского к нонконформистам, а сам он хотел писать как соцреалисты, но только о другой советской реальности: его больше вдохновляли пьяницы в очереди, чем трактористы и спортсмены. Поговорим о его жизни и творчестве.

🏚 Рогинский писал атрибуты коммунального нищего быта. Такие работы никак не сочетались с идеологией, поэтому вызывали неприятие у власти.

▪️ Советский поэт Генрих Сапгир называл работы Рогинского поп-артом. Но правильней было бы «советский поп-арт», так как поп-арт прежде всего связан с обществом потребления, которого в стране попросту не было.

🥫 В творчестве Рогинского действительно можно выделить некоторые черты поп-арта. Он тоже вдохновлялся массовой культурой, но только это были: железнодорожные плакаты, афиши, утюги, примусы. Все эти вещи для Рогинского, привыкшего к коммунальному быту и эвакуационной нищете, были символами России, как банки с пивом у американцев. Рогинский, так же как и многие художники поп-арта, делал серии (например, примусы).

🔲 Его работа «Пол. Метлахская плитка» корнями уходит к Мондриану. Рогинский пишет реальную вещь, которая выглядит как абстракция.

🗯 Рогинский вплотную подходит к концептуализму. В работе «Брюки» он ввел в картину текст. Для работы «Красная дверь» сделал чертеж, заказал уменьшенный макет у плотника, прикртуил найденную на помойке ручку и покрасил. Затем повесил дверь на стену, тем самым превратив ее в картину. Таким же образом сделал и «Красную розетку». Это уже путь к концептуальному искусству.